A peu près chaque semaine, des DVD débarquent dans ma boîte aux lettres. Je fais mes commandes en général au même moment du mois (coups de tête non inclus), et ensuite, ce sont les délais de livraison qui font le reste, et jouent au Père Noël. J'avoue que je ne me lasse pas de la sensation de découvrir chaque semaine minimum un nouveau paquet dans ma boîte, à plus forte raison quand il s'agit de deviner d'où il vient sans regarder les cachets de la poste (sinon c'est tricher). "C'est peut-être Intersexions... ou Capadocia ? Non, c'est trop tôt pour Capadocia... quoique ?".

Aujourd'hui, la surprise était de taille : ma première série sud-africaine ! Une série dont j'avais entendu parler depuis bien longtemps, qui me rendait curieuse, et qui semblait être un véritable phénomène dans son pays d'origine : Intersexions. Vous pensez bien que ce n'est pas un DVD qui a eu le temps de prendre la poussière, et j'ai donc regardé le pilote presque le soir-même !

En préambule de ce visionnage du pilote d'Intersexions, plein de questions, pourtant.

D'abord, il s'agit bel et bien de ma toute première série sud-africaine. J'ai lu énormément de choses, consulté des sites et des bases de données à n'en plus finir, écumé le web à la recherche d'un petit épisode de soapie égaré par mégarde... depuis maintenant deux ans, je suis attirée par plein de séries sud-africaines, et je n'avais réussi à mettre la main sur aucune ! Quelle frustration ! Le problème, j'ai remarqué, quand je découvre ma première fiction d'un pays donné, c'est que grosso-modo, elle donne le ton pour la suite. J'aurais commencé le Brésil sur une telenovela, j'aurais peut-être fui, mais j'ai été déflorée par Capitu et l'empreinte est là à vie, avec un biais favorable à peu près quoi qu'il arrive. Le danger était donc d'être non seulement écoeurée de mon acquisition faite à l'aveugle, qui pouvait potentiellement me déplaire, mais aussi de toute la fiction sud-africaine dans son ensemble, parce que la première impression compte énormément. Ce qui aurait été gênant parce qu'il y a plein de choses qui piquent ma curiosité ! C'est donc, de façon injuste mais inévitable, toute la fiction sud-africaine que je m'apprêtais à jauger ainsi.
Autre problème : en-dehors de son pitch et quelques news, je n'avais aucune idée du niveau de production de la série en particulier, de la qualité du jeu des acteurs, et même pas... de la langue ! Rappelons que l'Afrique du Sud reconnait (j'ai vérifié) 11 langues officielles, dont l'Afrikaans sur lequel je vous avoue que je suis pas trop-trop au point, et que je n'ai trouvé nulle part l'information me permettant de savoir dans quelle langue la série était tournée. Il était à peu près évident qu'il s'y trouverait soit une piste, soit des sous-titres anglais (ce sur quoi je vais revenir), mais la langue de tournage était une grosse inconnue. Et quand il faut aussi apprivoiser une nouvelle langue (vous en avez fait l'expérience avec Srugim), on ajoute encore un niveau de difficulté.
En corollaire du problème de la langue, il y avait tout bonnement les questions culturelles. L'ex-élève française que je suis n'a été préparée à rien ou si peu en matière de culture africaine ; bon, quelques rudiments d'Histoire (Nelson Mandela essentiellement), mais à part ça ? L'Afrique du Sud, un pays plutôt conservateur en matière de moeurs, ou au contraire plus libéré ? Dans une série sur les relations amoureuses et a fortiori sexuelles, quels sont les rôles accordés à chacun dans un couple, par exemple ? Puisque je n'en savais rien, il allait falloir s'adapter...
Mais ce n'est pas tout : ensuite, je ne connaissais la série que de réputation, mais justement, qui dit qu'une série produite par une chaîne publique, en partie avec l'argent de l'institut John Hopkins, et afin de parler du HIV et du SIDA, allait me plaire ? C'est un sujet quasi-pédagogique, j'aurais pu m'ennuyer comme un rat mort. J'étais donc attentive mes réactions, me demandant si le sujet n'était pas trop aride, ou si, au contraire, il n'allait pas me rebuter. Pas de méprise : je suis toujours amatrice de drama, mais il y a drama et message-d'information-et-de-prévention-déguisé-en-drama, si vous voyez ce que je veux dire...
Bon et puis, enfin, venait la qualité de la série elle-même. Outre tout ce que je viens de citer, il y avait tout simplement la question de regarder ce pilote comme un pilote, pas comme un échantillon... Et concilier tous ces points n'était pas forcément une évidence a priori !
Cela faisait donc bien des défis à relever.

Résultat ? Eh bien ce pilote m'a très agréablement surprise.
Apparemment conçue comme une anthologie, Intersexions commence lorsque Mandisa se prépare à épouser Kabelo, lequel est un homme d'une générosité qui n'a d'égale que la profondeur de son porte-monnaie, et la traite comme une princesse. Mais alors que Mandi et sa meilleure amie Cherise se réjouissent de cette journée parfaite (surtout que leur firme de relations publiques a également décroché un gros contrat), elles entendent à la radio que DJ Mo, un animateur de radio très populaire, annonce publiquement avoir le SIDA et être sur son lit de mort. Le visage décomposé de Mandisa dit tout : elle a vraisemblablement eu une histoire avec lui.
Comme en deux minutes, l'exposition est rondement menée (Mandisa et Cherise discutent du mariage à venir, puis Mandisa parle brièvement à Kabelo au téléphone), on sait pas mal de choses : que Kabelo est donc riche, qu'il adore sa future épouse, que celle-ci mène une vie professionnelle bien remplie avec Cherise, mais aussi que Mandi n'est plus vierge (elle promet des choses coquines à son fiancé au téléphone avec un air entendu). On ne trouve donc pas déplacé qu'elle ait connu d'autres hommes avant son futur mari dans ce contexte, on y est même très bien préparés, de sorte qu'on tombe quasi-immédiatement des nues lorsqu'on apprend, là, avant même la 3e minute (générique compris), que l'ex de Mandisa est sur le point de mourir du SIDA.

Là où notre héroïne va nous surprendre, c'est que, contre l'avis de Cherise, elle ne dit rien à son promis (lequel va mal interpréter son émotion pendant la cérémonie, forcément), même alors qu'elle n'est pas sûre d'être elle-même en bonne santé. Les jours qui suivent le mariage, celui-ci n'est absolument pas consommé, Mandisa ayant toujours une bonne excuse.
La façon dont la culpabilité la ronge peut paraitre un peu longue par moments, mais elle est aussi assez bien vue. Bloquée dans une situation où elle ne cesse de s'angoisser, mais où elle est incapable de dire ou faire quoi que ce soit, Mandisa n'a ainsi absolument pas pris rendez-vous pour se faire tester. Il y a une sorte de cocktail déni/dépression qui me semble assez compréhensible ; on sent bien l'horreur que la jeune femme ressent, et en même temps son impossibilité à prendre le risque qu'on lui confirme qu'elle a raison d'avoir peur. C'est un passage de l'épisode qui nous donne l'occasion de nous attarder énormément sur le visage de l'héroïne (qu'elle a fort joli mais c'est pas le sujet), déchiffrant toutes les nuances de l'angoisse, tandis qu'elle camoufle tant bien que mal sa terreur à son époux. Quand elle réalise qu'elle est peut-être enceinte, évidemment, ça ne s'arrange pas... et la réaction ravie du mari sera de courte durée, vous vous en doutez.

La mariée est extatique.

A la fin de 24 minutes de torture, Mandisa se prend finalement par la main et va faire les tests. J'avoue que cette scène a été un peu baclée puisque l'infirmière qu'elle rencontre lui explique, en gros, le concept de la série, mais que toute l'attention de la camera est focalisée sur les réactions de Mandi. Difficile de compatir et d'apprécier le message en même temps. Pourtant le dialogue est bon, c'est la réalisation qui ne le met pas en valeur :
"Doctor, I don't sleep around. All the men I've slept with can be counted in one hand.
- It's not only about who you have slept with. What is important is : do you know who your previous lovers have slept with ?".
L'épisode se conclut sur cette interrogation effrayante (qui peut vraiment être certain de savoir y répondre ?), un tremplin vers ce qui sera, si mes sources sur la série ne m'ont pas trompée, le maillon suivant de la chaîne. Après tout, le générique n'énonce-t-il pas brutalement cette réalité moderne : "In sex, there are no strangers" ?

Ah oui, parce que finalement, je ne vous ai pas dit : Intersexions est en anglais. Souvent. Disons, pendant un mot sur trois ? Les dialogues sont en effet un panachage de langues que je ne prétendrai pas avoir reconnus.
Fort heureusement, les épisodes sont d'office sous-titrés en anglais (ouf !). Je suis donc d'autant plus ravie d'être certaine d'absolument tout comprendre...

Encore une belle aventure téléphagique en perspective, donc, j'ai hâte de remonter les maillons de cette chaîne et comprendre comment chaque personnage, est relié, souvent sans le savoir, aux autres, même si c'est à cause d'une terrible maladie. Le SIDA est, comme chacun sait, un fléau qui fait particulièrement rage en Afrique, mais il ne fait aucun doute que la thématique de la transmission du virus, du passé sexuel de chacun, et des précautions à prendre ou des vérités à annoncer, n'a rien de typiquement local, bien au contraire. On connait tous quelqu'un. Ou quelqu'un qui connait quelqu'un. Ou on a tous eu au moins une frayeur.
Le sujet, sans être traité avec pathos pour le moment (on est loin des derniers épisodes de Corky et de [dit-elle en sanglotant rien qu'à cette pensée] la mort de Jesse, car Intersexions fait le choix d'être plus mesuré et de prendre de la distance), est on ne peut plus actuel et universel. Peut-être même vais-je réaliser au cours de ce visionnage qu'il y a des évidences qu'à force d'être inondés de messages de prévention, on a mis de côté avec les années (ce serait ironique si ça se produisait) !
Après tout, combien de fois les séries nous parlent-elles du VIH ou du SIDA sur la durée, toutes nationalités confondues ? Il y a eu des intrigues d'Urgences, je suppose quelques unes dans Dr House, ça semble inévitable, et évidemment Kamisama, Mou Sukoshi Dake, mais le pari d'Intersexions est d'explorer un terrain sur laquelle peu de séries s'aventurent, et donc, d'exploiter un sujet sur lequel les téléphages ne sont pas incités à réfléchir ou même ressentir des choses très souvent. Pour quelqu'un qui aime les séries dramatiques, l'occasion de trouver de nouveaux sujets est donc parfaite, car le potentiel effleuré dans le pilote peut conduire à énormément d'histoires intéressantes autant que touchantes. Et puis, peut-être qu'un peu de pédagogie ne serait pas plus mal, pour une petite remise à niveau...!

Le format particulier d'Intersexions (il ne s'agit certainement pas d'une comédie, et même pas d'une dramédie, mais le pilote dure 24mn montre en main) s'adaptera en plus très bien à un visionnage "bouche-trou", par exemple lorsqu'il ne reste que quelques minutes à épisode US pour terminer de cagouler et que je ne veux pas me lancer dans quelque chose de trop long en attendant. Que des avantages que je n'avais même pas prévus !

Du coup, pour un coup d'essai...! Je recommande de tenter Intersexions (méfiez-vous des videos mises en ligne par SABC sur Youtube... c'est la toute fin de la saison 1 !), et pour vous prouver ma bonne volonté, je vais même vous dire : si au moins 5 personnes disent en commentaire ci-dessous être intéressées par le pilote... j'exaucerai leur voeu. Vous avez toutes les cartes en main pour vous décider...

Si aujourd'hui est devenu (relativement) aisé de parler de séries canadiennes entre téléphages, y compris si elles sont issues du câble, il y a encore quelques années, c'était encore beaucoup plus difficile. En 2004 seulement, apparaissait Show me yours, une petite dramédie qui a duré deux saisons sur Showcase. Et jusque là, vous n'en aviez encore jamais entendu parler.
Moi non plus, à vrai dire ; mais quand j'ai commandé mon DVD de Hounds il y a quelques semaines sur un site néo-zélandais (Mighty Ape, dont je vous ai déjà parlé), j'ai remarqué que le prix de l'intégrale en DVD de Show me yours valait une misère. Alors, frais de port pour frais de port... autant se payer deux saisons d'une série que je n'avais que peu de chances de voir autrement.

Evidemment, c'est le visionnage de Hounds qui a eu ma priorité, mais j'ai fini par glisser un oeil sur mon "investissement" tout de même.

D'entrée de jeu, il est clair que Show me yours est une série appartenant à la famille des séries de Cinemax, en particulier celles de Max After Dark (vu qu'il est encore difficile de savoir avec précision ce qu'il faudra attendre de Banshee ou Sandbox, et qu'on sera fixés dans quelques jours pour Hunted). Q quand je dis qu'elle est de la même famille, ce n'est certainement pas une parenté officielle (Cinemax est une chaîne US), mais clairement, tous les ingrédients y sont : un côté un peu sexy, écriture gauche, production value pas franchement impressionnant... Les acteurs sont d'ailleurs à l'avenant.
Bon, clairement, quand je vois des séries comme A Girl's Guide to Depravity, Chemistry ou Zane's Sex Chronicles, ma première pensée n'est pas exactement de me retrouver avec un DVD de l'intégrale pour pouvoir le regarder encore et encore et encore. Ce sont les dangers de l'achat à l'aveugle, ma foi.
Pour autant, dans le genre "petite dramédie sexy", Show me yours n'est pas la pire (la palme revient à Chemistry en ce qui me concerne). Mais vous allez voir que même dans cette catégorie peu exigeante, elle n'est pas la meilleure.

L'histoire est celle de Kate, une séduisante jeune femme (évidemment) qui est aussi thérapeute. Tout va pour le mieux dans sa vie : elle travaille sur un bouquin, a un épatant petit ami, bref, tout roule. Lorsqu'elle rencontre à un mariage un type du nom de Benjamin, un biologiste un rien arrogant, elle pense au départ qu'elle le déteste, mais force est de constater, quand il lui vole un baiser, qu'elle est en réalité attirée par lui. Par-dessus le marché, l'éditrice de Kate trouve absolument génial (et vendeur !) l'idée que tous les deux puissent écrire ensemble un livre de sexologie ; comme ils ont des points de vue radicalement différents sur la question, par déformation professionnelle ET par tempérament personnel, forcément, leurs deux avis sur une même chose peuvent provoquer des débats intéressants...
Voilà pour le pilote.
Enfin pas tout-à-fait, puisque ce premier épisode ne se contente pas de discuter. Rapport au fait que c'est quand même une série de softcore, pas une thèse universitaire !

Pour leur première séance "d'écriture" (qu'ils disent), Kate et Ben vont commencer à évoquer des anecdotes sexuelles... celle de Ben ressemble à un cliché tout droit issu d'un roman Harlequin, avec torse luisant, décor exotique et tout le toutim. Ce qui n'a pour effet que d'encore plus émoustiller notre héroïne...
Or, le problème de Kate, méchamment attirée par Ben et son attitude si insolente, c'est évidemment qu'elle est déjà en couple. Mais au-delà de l'aspect soapesque, ce qui l'ennuie au moins autant, c'est d'admettre qu'elle est attirée par un type qui est tout le contraire de ce qu'elle prône en matière de sexualité ; en cela, le conflit qui est supposé agiter le personnage acquiert une petite dimension secondaire vaguement plus intéressante que la simple envie de batifoler avec un insupportable beau gosse. On n'est clairement pas dans le triangle amoureux. Mais ce dilemme a aussi des conséquences très négatives...

Car le plus gênant dans Show me yours, ce n'est pas vraiment que Kate va passer son temps à parler fantasmes avec Ben en dépit du fait qu'elle ne s'autorise pas à concrétiser.
Ce jeu autour du désir n'est finalement pas si mal, et fonctionne bien mieux, dans le contexte d'une série vaguement érotique, qu'un classique vont-ils-ne-vont-ils-pas, en cela que le spectateur n'est pas le seul à se demander si ça va se faire : les héros aussi (Ben n'est pas là juste pour l'amour de la littérature, hein, il veut aussi se faire Kate). Le suspense n'est pas vraiment à son comble, car la série n'est pas écrite pour qu'on en fasse l'objet de notre attention, mais dans la façon de s'observer, se quereller, et se fantasmer l'un l'autre, leur chassé-croisé à du sens.
Non, le vrai truc qui me chatouille dans ce pilote, c'est que Kate est une gentille femme qui a un gentil métier, un gentil petit ami, un gentil tempérament, de gentilles convictions... et que franchement, le personnage est un cliché ambulant de la faible femme qui pense que le sexe doit être une chose jolie et douce et pure et pleine de sentiments avec un type qui a une "situation" et qu'on peut présenter aux copines.
Oh, eh. Va pas me faire croire qu'avec les litres qu'elle dépense à baver (mais oui baver, vous pensiez que j'allais dire quoi ?) sur la perspective de se taper Ben, Kate est une pauvre innocente ! A d'autres. Pourtant c'est bien le portrait qui en est fait : Kate est une pauvre femme qui met les sentiments, la tendresse et la bien-pensance (osons le dire) avant le désir et la passion. Un cliché ambulant, vous dis-je. Qui ne va pas se dire qu'elle n'a qu'à coucher avec Ben si ça lui chante, qu'elle ne va pas non plus se séparer de son prince charmant parfait (bien qu'un peu transparent) pour lequel elle ne ressent pas vraiment d'excitation, non, elle va juste préférer la frustration au nom d'un principe dont elle est convaincue pour on ne sait quelle raison : c'est pas bien.
Du coup, en faisant une série clairement orientée vers les femmes (ça papote beaucoup moins quand on crée une fiction érotique pour les hommes...), Show me yours trouve le moyen de se montrer assez réductrice en matière de plaisir féminin : le sexe, c'est bien d'y songer, mais pour le passage à l'acte, ouhlala, comme vous y allez, surtout pas avec qui on veut, hein, il faut rester des bonnes filles.

Et c'est finalement pas mieux pour Ben qui devient, un peu comme avec des vases communicants, le mec pas très recommandable voire un peu rustre, le type qui n'a qu'une idée derrière la tête et qui ne poursuit qu'un but.
On parle souvent des fictions sexistes dans lesquelles les femmes sont soit des putains, soit des madones ; eh bien de la même façon, c'est fou le nombre de séries à destination du public féminin qui classent les hommes soient dans la catégorie soit du parfait fiancé, soit du sale type forcément tordu (voir aussi ma review de la première saison de Girls). C'est au moins aussi réducteur, et le cliché est épuisant dans un sens comme dans l'autre.

Alors sur moi, en fin de compte, Show me yours n'a pas trop fonctionné. Entre l'érotisme cliché et les personnages qui le sont à peine moins, on ne peut pas dire qu'il y ait quelque chose à sauver.
A choisir, en matière d'énumération de fantasmes, Zane's Sex Chronicles sera, quelques années plus tard, plus honnête : on y explore ainsi des situations tout autant rocambolesques (dans le pilote, l'une des héroïnes imagine se faire prendre dans une laverie automatique, par exemple), mais sans que les femmes soient ainsi confinées dans un rôle rigide, celle de la nana qui n'a que son fantasme auquel songer, vu qu'elle ne peut concrétiser parce que ça ne se fait pas ; les héroïnes de Zane's Sex Chronicles passent à l'acte (qu'elles soient célibataires ou en couple). Kate est ici vissée dans une position d'impuissance ; les principes qui l'empêchent de concrétiser avec Ben sont de simples conventions : elle ne semble jamais vraiment éprise de son compagnon, elle n'est pas mariée à lui... en bref, elle a des options pour se sortir de cette situation, mais la série préfère jouer sur le principe qu'elle n'a pas le choix (grâce au gadget scénaristique de l'éditrice qui force leur coopération).

En tous cas dans le pilote. Ca se trouve, quelque part pendant les deux saisons, Show me yours permettra à Kate d'entrer plus activement dans le jeu de séduction, au lieu de se liquéfier devant le fruit interdit. On sait pas. Tout peut arriver. Sauf que je n'y crois qu'à moitié. Je soupçonne la série de reposer plutôt sur le concept de l'attraction perpétuellement rendue impossible sous un prétexte fallacieux. Et c'est dommage parce que, même sans pour autant coucher avec Ben, Kate pourrait participer à ce "concours de fantasmes" de façon un peu moins victimisante, et pourrait elle aussi essayer de faire saliver Ben avec des histoires croustillantes. Pour l'instant on en est loin.

Bon, ce n'étaient pas les euros les mieux dépensés de ma carrière de téléphage, c'est net. Vu que les scènes chaudes ne sont pas vraiment excitantes parce qu'elles sont stéréotypées et tout de même assez timorées, on ne peut pas dire que je me sois payée un DVD érotique qui va beaucoup servir pour les soirées d'hiver ! Je vous l'avoue, d'ailleurs : j'ai regardé ce pilote il y a une bonne dizaine de jours et je n'en parle que maitenenant (donc de mémoire), parce que franchement c'est pas l'enthousiasme qui m'étouffait.
Alors ok, je l'admets, sur ce coup j'ai pas eu le nez creux. Quand ça arrive, il faut le dire aussi. Cependant, si vous êtes moins regardant que moi, ça se trouve, ça vous plaira, hein... les dégoûts et les douleurs, ça ne se discute pas.

Girl vs. Boy, je ne connaissais pas il y a encore 24h. Mais à quoi servent les world tours, si ce n'est faire des découvertes ? Il ne sera pas dit dans les parages que les cordonniers sont les plus mal chaussés...
Le pitch de Girl vs. Boy a piqué ma curiosité lorsque je suis tombée dessus hier, et j'ai donc décidé de faire des recherches pour tester cette fiction qui s'autoproclamait "premier whodunit romantique de Nouvelle-Zélande". De quoi ? Premier whodunit romantique ? Jamais entendu ce terme avant. Et ça implique qu'il y en a eu ailleurs...? Que cache ce terme étrange ? Oh, ça sent l'arnaque...

22 minutes plus tard, je suis en mesure de vous confirmer, pouces levés, que cette série néo-zélandaise pour la jeunesse change réellement de l'ordinaire. C'est le genre de série qui ne vous fait pas regretter un instant de tenter des séries hors de votre groupe démographique. J'ai le double de la cible et j'ai trouvé l'idée fraîche, amusante et très divertissante ! Bon, d'accord, j'ai regardé le pilote à 6h du matin, mais quand même.

Attendez, on rembobine ; je suis allée trop vite. Expliquons un peu de quoi parle Girl vs. Boy, et voyons ensuite si l'appellation de "whodunit romantique" se justifie...

Diffusée cette été par TV2, Girl vs. Boy est une tentative que l'on doit à KHF, déjà à l'origine de la webserie Reservoir Hill, une initiative interactive récompensée par un International Digital Emmy Award en 2010.

Tout commence à The Bay, une petite bourgade fictive de Nouvelle-Zélande, élue 3e banlieue la plus agréable à vivre du pays. The Bay est un petit coin de paradis typique des séries inoffensives : il y a la mer, la campagne, des rangées de maisons, et des gens adorables partout. Eh oui, à The Bay, comme nous l'explique l'héroïne d'entrée de jeu, tout le monde se connait, se salue en se croisant, et les enfants des voisins grandissent côte-à-côte, se marient et continuent de faire prospérer cette charmante petite ville. Très franchement, ça ressemble presque à l'univers des Stepford Wives, la mer en plus.
Et pourtant, à cause de Maxine, l'héroïne, tout cela va être mis en danger.
Lors d'une fête célébrant les fiançailles d'un des jeunes couples de la ville, tout va basculer. Maxine est en effet supposée porter un toast aux fiancés, mais au dernier moment, elle égare ses notes et doit improviser. Son discours maladroit va finir par causer une rupture terrible : Hailey et Tim, les amoureux les plus populaires de The Bay, présents à la fête, se séparent avec toute la ville comme témoin.

Comment ? Pourquoi ? C'est ce que va tenter de découvrir Maxine qui, avec sa queue de cheval rousse et ses grands yeux innocents, n'en est pas moins une Jessica Fletcher pleine d'énergie et d'entêtement. Elle va tenter de comprendre comment une parole malheureuse de sa part a déclenché une réaction en chaîne aussi dramatique. C'est que, progressivement, toute la ville prend partie dans cette rupture, les filles contre les garçons, et The Bay, autrefois troisième banlieue la plus agréable à vivre du pays, devient un véritable champs de bataille...

Alors, qu'est-ce qui fait que Girl vs. Boy change résolument de l'ordinaire ? Déjà parce qu'il n'y est absolument pas question de reprendre les clichés de la série pour ado/préado avec une héroïne qui chante ou qui a des pouvoirs, et ça c'est le bien. Ensuite parce que, quand bien même il y est question d'une histoire d'amour qui tourne mal, l'intrigue ne tourne absolument pas au soap dissimulé sous un artifice quelconque, comme on aurait pu le craindre (et comme Pretty Little Liars, dont Girl vs. Boy a été le lead-in cet été sur TV2, le fait). Enfin, et surtout, parce que le ton de Girl vs. Boy est réellement une comédie déjantée, tirant partie de ses dialogues, ses gags et ses situations rocambolesques pour emmener ses jeunes spectateurs dans une enquête pas comme les autres, avec comme décor une ville un peu toquée derrière ses apparences proprettes.
La série est, de surcroît, menée par un personnage principal à la fois gauche et naturel, incarné avec beaucoup d'énergie par une jeune comédie absolument charmante, avec laquelle il est très facilement possible de se laisser emporter dans le tourbillon des évènements. C'est d'autant plus important que, comme un nombre grandissant de  séries, Girl vs. Boy est encadrée par une voix-off quasi-permanente, alors autant faire le chemin avec une héroïne sympathique.

Toutefois, revenons sur cette histoire de "romantic whodunit", voulez-vous ? Le propre d'un whodunit est que l'on n'est pas supposés connaître l'auteur du crime initial. Dans le cas présent, ce "crime" est la rupture de Hailey et Tim... et la criminelle s'autoidentifie dés le début de l'épisode : c'est la narratrice, Maxine ! Bon, vous le voyez, l'étiquette que se colle Girl vs. Boy est légèrement à côté de la plaque, mais tellement moins que je le craignais en lançant l'épisode...

Ça fait vraiment du bien de voir qu'il y a encore des idées originales en matière de séries pour la jeunesse. Je suis affreusement blasée, sans doute (et avoir la trentaine n'arrange sûrement rien à l'affaire), mais j'ai toujours la crainte que ces séries soient en première ligne vers l'uniformisation ; c'est la faute de Disney, évidemment, qui nous inonde de produits bien souvent (pas toujours) copiés les uns sur les autres.
A l'heure où les pays passent leur temps à se refiler des formats, comme on l'évoquait il y a quelques mois, il y a encore de la place pour l'innovation, et ça c'est bien chouette. Parce que les remakes et les adaptations et les copies officieuses, bon... c'est génial à regarder de loin, parce que c'est fascinant de voir comment les marchés sont perméables les uns aux autres en dépit des distances géographiques ou culturelles, mais à regarder, de façon concrète, ça donne quand même rarement des séries épatantes. Dans le cas présent (et ça ne m'arrive pas souvent) j'ai été amusée (gentillement amusée, hein, c'est pas la révélation de l'année évidemment) par une série qui ne m'était pas destinée, et je me suis dit qu'elle était regardable par tout le monde. Typiquement le genre de série que KD2A diffusait volontiers au bon vieux temps, et que je recommanderais aujourd'hui sans problème à la jeune génération, sans craindre de la voir s'abrutir ou, pire, de se mettre des idées tordues en tête.

En tout, la première saison de Girl vs. Boy ne compte que 8 épisodes d'une vingtaine de minutes chacun. C'est peu, mais ça permet de ne pas étirer l'enquête de Maxine en longueur, je suppose. A l'heure actuelle, je n'ai trouvé aucune trace d'un renouvellement.
Mais si j'avais un message à faire passer à TV2, ce serait, pour le bien de tous les jeunes téléphages en herbe abrutis depuis des années par les Hannah Montana et autres cavaliers chantants de l'apocalypse, de renouveler cette petite série pleine d'énergie. Allez, quoi, elle est nommée pour les New Zealand Television Awards, ça doit bien vouloir dire quelque chose !

Allez, histoire de finir sur une note positive, je vous propose la bande-annonce de la série, comme ça vous vous ferez une idée par vous-mêmes...

Outre les pilotes, certaines séries commencent à reprendre (à partir de la semaine prochaine, je vais commencer à me sentir concernée, mais pour le moment ça va). Et cette semaine, j'ai vu quelques tweets passer au sujet d'Up All Night.
Autant, il y a des séries que j'abandonne sur le côté de la route sans même me retourner, on peut m'inonder de tweets sans que ça ne me fasse même ciller, autant parfois... Eh bien, c'était l'une de ces fois. Et j'ai essayé de me souvenir pourquoi j'avais arrêté de regarder Up All Night.

Allez lady, sans tricher ! Sans regarder sur le blog, sans aller fouiller dans les tags, juste de mémoire, sérieusement : es-tu capable de te rappeler pourquoi tu as arrêté Up All Night au bout de quelques épisodes à peine ?
Eh bien la réponse est non. J'avais clairement le souvenir d'avoir apprécié le pilote, pourtant. Peut-être un peu moins le deuxième épisode. Le troisième n'est qu'un gros flou dans ma tête... Alors j'ai décidé de tout simplement revoir le pilote, et d'aviser.

Quatorze épisodes plus tard, ça y est, je suis en mesure de mettre le doigt dessus. C'est Maya Rudolph. Vraiment, faut passer au déca.
Alors la bonne nouvelle c'est que justement, au fur et à mesure que la saison avance, elle se calme. J'ai presque envie d'envoyer un texto à mon moi d'il y a environ un an et de lui dire : "it gets better". Mais je craindrais qu'elle ne l'interprète pas correctement. Bon, je n'ai pas encore fini la saison, mais, clairement, ça s'arrange, et même quand Rudolph en fait des caisses comme c'est son habitude, il y a encore moyen d'apprécier les moments de tendresse authentiques de cette excellente dramédie.

Parce que, outre les excellentes performances d'Applegate et Arnett (qui entre parenthèses sont incroyablement bien assortis), il faut quand même dire que le charme d'Up All Night, il est dans le délicat et fragile équilibre entre comédie classique et grâcieuse chronique de la vie de parent. Et moi qui ne suis pas parent, qui n'ai même pas envie, mais alors, pas l'embryon de l'ombre d'une envie de l'être, je trouve ça prodigieusement facile de me glisser dans la peau de ces parents et de vivre avec eux les premiers mois de la vie de leur fille.
En fait, si je devais avoir un enfant, le mieux serait qu'il soit constamment dans un écran et que je puisse le mettre sur off, exactement comme un épisode d'Up All Night. Vraiment c'est le compromis parfait pour me faire accepter la présence d'enfants dans mon salon.

Ce qu'Up All Night accomplit, c'est de traduire quelque chose de très trivial, l'essence-même du quotidien et des tracas de la vie de couple. Et pourtant, la série parvient à traduire des sentiments universels, telle que l'espoir de ne pas abandonner ce que l'on aime chez soi-même, ce qu'on aime chez l'autre, et ce que l'on aime dans son couple. C'est une façon adorable de chercher le compromis, mais en voulant en lâcher le moins possible. C'est exactement ce que je voudrais que le pilote de The New Normal transmette au moins une fois, quelque chose de plus accessible. S'adresser aux spectateurs en tant qu'humains, pas en tant qu'électeurs. C'est tellement plus facile de se mettre du côté des parents d'Amy lorsque ceux-ci nous paraissent touchants.
Il parait d'ailleurs que les épisodes suivants de The New Normal sont plus émouvants mais... quand quelqu'un qui a vu le pilote n'est pas parti en courant, je me méfie de son avis pour la suite.

Du coup, encore un ou deux jours à ce rythme, et j'ai fini la saison d'Up All Night, et je pourrai embrayer sur la suivante. Ce qui est génial parce que comme ça je reprends le rythme de diffusion de la série, ni vu ni connu...!

Et maintenant je vous laisse, parce que c'est juste la plus importante soirée de toute l'année ! Emmy Awards, me voilà ! D'ailleurs si vous hésitiez encore, n'hésitez pas à me rejoindre sur Twitter où je commenterai la soirée en direct...

Aujourd'hui, pour changer, je vous propose de parler non pas de pilotes récents ou prochains, mais d'une série légèrement plus ancienne, plus précisément diffusée à la rentrée 2011 aux Pays-Bas. Cette série, c'est Overspel ("trahison"), qu'on a eu l'occasion de brièvement évoquer dans le cadre du Festival de la Fiction TV de La Rochelle, et dont j'avais découvert l'existence à cette occasion. J'avais au départ prévu une review du pilote en VOSTM, mais Livia a attiré mon attention sur la présence de sous-titres anglais sur le DVD et... bon, bah, vous devinez la suite.
Au passage, je suis extrêmement déçue que les séries néerlandaises dont je connaissais l'existence (comme vous le savez, je suis pas encore très au point sur le sujet) et qui m'intéressaient, parmi lesquelles Feuten, Dubbelleven, Lijn 32 (qui d'ailleurs semble nommée pour le Prix Europa) ou encore Penoza que je n'ai vue qu'en VOSTM, ne comportent pas de sous-titres.
L'accès aux séries néerlandaises pour les non-néerlandophones est donc pour le moment un peu compliqué, mais le succès de Penoza (via notamment son adaptation Red Widow) et d'Overspel vont peut-être donner un coup de pied dans la fourmilière...

Mais je m'égare : revenons donc à notre pilote d'Overspel, premier épisode sur douze d'une série oscillant entre le thriller et... la romance. Et, oui, pour répondre par anticipation à votre question, j'ai quand même tenu tout le long de l'épisode. Installez-vous, que je vous explique.

Overspel s'ouvre, comme beaucoup de thrillers, avec une scène mystérieuse correspondant visiblement à la surveillance, via tables d'écoute, d'appels téléphoniques, par le bureau du procureur (non, "openbaar ministerie" ne signifie absolument pas ministère en open bar). Et là-dessus, sans avoir entendu une seule parole clairement, ni sur l'enregistrement, ni de la part de l'enquêteur qui n'ouvrira pas la bouche pendant cette scène, débute le générique (ne me lancez pas sur le générique, je l'abhorre). Voilà qui a de quoi laisser le spectateur sur sa faim.
Oh, il a des soupçons, évidemment : quel genre d'enquête peut bien nécessiter des tables d'écoutes ? Il n'y a pas 712 possibilités, en réalité : la mafia ou des cols blancs sont au centre de l'enquête du bureau du procureur. Mais si le spectateur veut se piquer d'intérêt pour cet angle de la série, il sera pendant le pilote abandonné à ses propres conjectures. L'épisode mettra pas mal de temps, en fait, avant de simplement concrétiser cette partie de son intrigue : la série ne veut pas poser un grand scandale puis noyer son héroïne dedans, mais en fait procéder dans l'autre sens, à savoir nous présenter d'abord l'héroïne, et ensuite seulement approfondir la question du scandale. Une idée qui en vaut un autre, et qui permet en tous cas d'éviter les clichés. Toujours est-il que pour l'exposition de ce scandale, il faudra être patient, alors ne parlons même pas encore de faire avancer cette trame : le pilote ne s'en chargera pas.

Notre héroïne, donc, est une jeune femme du nom d'Iris, jolie, mariée, un enfant, photographe dont la carrière décolle, bref tout pour plaire. Mais très vite, on découvre que si sur le papier, la vie d'Iris est parfaite, en revanche, dans les faits, on a affaire à une femme très mal assurée ; en fait, Iris semble au bord de la crise de nerfs.
Là encore c'est quelque chose qu'Overspel ne va pas tout de suite définir clairement, bien qu'on ressente la sensation de nervosité dés la première apparition d'Iris à l'écran. A ce moment-là, elle est en train de prendre une douche avec son mari pendant que leur fils attend l'arrivée de la nounou qui doit le garder pendant que ses parents seront sortis, et déjà, on sent qu'Iris n'est pas à son aise ; mais est-ce parce que justement son fils est dans la pièce d'à côté pendant que son mari la prend sous la douche ? Est-ce parce que la relation sexuelle avec son époux ne la satisfait pas ? Est-ce parce qu'elle anticipe l'évènement de la soirée ? Ce sera laissé à votre appréciation. Ca se trouve, toutes les réponses sont exactes. Iris passera le reste de la soirée dans un état de tension intense, alors que c'est "sa" soirée : ses photos sont exposées, et elle est couverte de louanges. Mais visiblement il y a quelque chose qui ne passe pas.
A première vue, sachant qu'on va avoir affaire à un thriller, ce personnage névrosé, qui semble tout vivre comme une aggression, pourrait vriller les nerfs au spectateurs, à plus forte raison parce que l'intrigue n'a pas encore réellement commencé. Mais l'exposition d'Overspel est si bien articulée qu'au lieu d'être déjà sous tension "pour rien", comme on pourrait le craindre, en nous mettant au diapason avec l'héroïne, l'épisode nous invite plutôt à découvrir un personnage dont la fébrilité est un trait de caractère. La vie d'Iris est pour l'instant très simple, mais on sait déjà une chose sur elle : elle ne gère pas très bien un certain nombre de choses, sur un plan émotionnel. C'est finalement très important, et cela évite l'impression de suivre encore et toujours la même histoire dans laquelle une femme à la vie parfaite voit un jour son monde se troubler parce qu'elle est plongée dans une affaire louche. La vie d'Iris n'est pas parfaite. Non parce que quelque chose manque, en apparence, à son bonheur, mais parce tout simplement, le personnage est un peu névrosé, et cela rejaillira, finalement, sur tout ce qu'elle fera par la suite.
Dans une excellente scène plus tard, bien plus tard dans l'épisode, Iris finira par poser des mots sur ce qui la trouble, et ces mots disent tout simplement qu'elle l'ignore. Elle sait qu'elle est nerveuse, elle devine qu'elle est agoraphobe, mais quel est, dans le fond, son problème ? Elle l'ignore. Je suis d'ailleurs assez contente d'avoir vu cette scène, entre autres, avec des sous-titres, car sans connaissance du néerlandais, elle m'était apparue comme un peu brumeuse la première fois que je l'avais vue ; j'ai eu la sensation de mieux saisir le personnage, et j'ai apprécié qu'on nous délivre ainsi une héroïne qui, sans avoir un grand drame dans sa vie, n'est pas lisse. Bien joué de ce côté-là pour Overspel.

Mais bien-sûr, les choses vont encore se corser quand Iris rencontre un avocat à l'occasion de ce vernissage ; Willem, c'est son nom, est séduisant, a une présence calme et rassurante, et surtout il la dévore des yeux. Accessoirement, il est lui aussi marié (nous le savons, mais Iris l'ignore pour le moment), et même si elle se sent vraisemblablement attirée par lui, elle semble prendre très rapidement conscience du problème que cela va poser. En mettant à plat, très rapidement, les problématiques sur la liaison potentielle entre Iris et Willem, Overspel fait là encore preuve de beaucoup de tact. En fait, ce sera l'objet principal de ce premier épisode : la rencontre, bien-sûr, je l'ai dit, mais aussi l'attente, sont au coeur du pilote. On a l'impression de sentir Iris se consummer dés que son téléphone sonne, parce qu'elle sait que cet homme qui l'attire tant a son numéro ; on peut la voir être rongée par l'hésitation et le remords, et quand même attendre avec impatience qu'il l'appelle. C'est très fort, ce que nous communique Iris, et c'est totalement intégré dans son personnage nerveux et anxieux, ce qui là encore, est brillant.
Iris et Willem concrétiseront-ils ? J'aimerais faire durer le suspense, mais le titre-même de la série vous a déjà spoilés, et en fait c'est son pitch-même : oui, Iris va se laisser séduire, et même si l'épisode ne les verra pas conclure, on sent bien que le point de non-retour a été atteint par Iris du moment où elle a accepté que son numéro de téléphone soit transmis à cet homme.

Le problème, c'est donc que Willem est, outre marié, un peu avocat. Et que, oh oui, petit détail, le mari d'Iris travaille au bureau du procureur sur une grosse affaire.
Ce qui nous conduit donc à notre fameux scandale. Car dans le pilote d'Overspel, nous faisons aussi la connaissance de personnages qui, techniquement, ne sont pas liés à Iris ou Willem, mais dont on sent bien que leurs problèmes sont en lien direct avec ce qui se trame. Ces personnages sont Huub Couwenberg, un industriel puissant, son fils Björn, un peu servile, et Louis Karelse, un partenaire de longue date de Huub qui vient de rouler ce dernier dans la farine, à hauteur de 1,5 million d'euros, excusez du peu, en créant une société-fantôme qui a facturé à Huub des services purement imaginaires. Furieux de le découvrir, Huub décide de confronter Louis à la vérité, mais celui-ci s'obstine à lui mentir, ce qui humilie Huub. Son fils Björn décide donc d'aller parler entre quatre z'yeux à Louis...
Pendant ce temps, le bureau du procureur, on a eu vent d'écoutes téléphoniques laissant penser que, dans le cadre d'une affaire en cours, une société-fantôme aurait facuté des services purement imaginaires... mais on n'en sait guère plus. Par contre on en sait suffisamment pour sentir que les choses vont vraiment devenir compliquées, tant sur le plan légal qu'émotionnel. Bon mais alors, au fait, en quoi ça la regarde, la petite Iris ? Eh bien, une petite allusion dans l'épisode nous permet de comprendre que l'épouse de son cher Willem... est la fille de Huub.

Au milieu des questions sur la trahison ("vais-je coucher avec Willem ?"... oui, Iris se pose des questions idiotes, mais elle ne sait pas, elle, que la série s'appelle Overspel !), se trame donc une affaire financière et juridique qui va exploser à la tronche de ses protagonistes, mêlant leur vie privée et leur vie publique, de toute évidence.
C'est le pari d'Overspel, mais c'est un pari que la série, au terme de ce pilote, semble en mesure de remporter avec finesse et élégance, parce qu'elle a su éviter plusieurs clichés, et qu'elle a décidé de s'intéresser presque totalement aux répercussions de cette affaire sur la psyché de ses personnages, et notamment de son héroïne. Le but du jeu n'est pas de suivre un thriller sur les affaires financières douteuses des puissants, ou de s'intéresser à l'enquête du bureau du procureur, mais d'utiliser au contraire ces éléments pour aboutir à un drama sur une femme dans la tourmente, prise dans quelque chose qui lui échappe parce qu'elle a cédé à une pulsion, un désir. Et de voir ensuite comment elle va réagir sur un plan moral, quand elle va découvrir que non seulement son infidélité est un problème en soi, mais qu'elle a de graves répercussions sur la vie professionnelle de son mari...
On est donc un pied dans le thriller, deux pieds dans le drama (oui, j'ai téléphagiquement trois pieds), et la proportion a le mérite d'une certaine originalité. On verra bien où le concept nous mènera...

L'aventure d'Overspel n'est d'ailleurs pas finie. Outre la possibilité d'un remake aux USA, la série a apparemment un sequel en préparation, comptant cette fois 10 épisodes, qui a été tourné au printemps dernier ; j'ai trouvé peu de détails pour le moment sur l'intrigue à proprement parler : s'agira-t-il d'une seconde saison à part entière, ou d'un projet plus indépendant ? L'avenir le dira.
En attendant, la première saison d'Overspel s'annonce passionnante...

Combien de fois par jour entendons-nous au moins une personne, qu'il s'agisse de l'un de nos contacts dans la communauté téléphagique ou de télambdas, décréter que "c'est toujours la même chose", que "l'originalité est morte", que "tout n'est plus que remakes et adaptations"...? Combien de fois, sincèrement ? Et on est d'accord ou pas avec ce type de constat, il n'empêche que nous avons tous, ne serait-ce qu'une fois, par fatigue, découragement ou tout simplement parce que nous étions dans une période creuse pendant laquelle nous n'avions pas forcément été attentifs à ce qui se passe dans le monde de la télévision, dit quelque chose dans ce genre.

Fort heureusement, j'ai une super nouvelle : ce sont rien que des conneries. Des séries originales, novatrices et intrigantes, il y en a des tonnes. J'espère parfois vous en faire découvrir une ou deux, à l'occasion d'un de mes posts quotidiens ou d'un autre. Aujourd'hui est, je le crois, l'un de ces jours. Pour tout vous dire, je ne m'étais plus autant amusée devant une série depuis...!!!
Depuis... bon, 4 jours, devant Srugim. Mais pas de la même façon, pas du tout.
En tous cas, aujourd'hui, je m'apprête à vous parler d'une série canadienne que je ne connaissais pas du tout il y a encore 24h, intitulée The Booth at the End.

Imaginez un diner. Le plus classique possible, avec les banquettes alignées, le jukebox qui murmure dans un coin, la serveuse qui passe de table en table pour resservir du café, la totale, quoi.
A la banquette du fond est assis un homme, l'air austère, et pas très bavard. Les gens qui entrent dans le diner viennent souvent à lui, s'installent à sa table, échangent quelques mots, parfois commandent un plat ou une boisson, puis partent. Quel est donc cet homme et que veulent ces gens ?

C'est justement ça, le propos de The Booth at the End : ce que veulent les gens. Ils ont en effet entendu que...? Et ils viennent confesser à l'homme ce qu'ils veulent en espérant qu'il exauce leur voeu. Mais les choses ne sont pas si simples : lorsqu'on veut quelque chose, il faut faire quelque chose pour l'obtenir. Chaque fois qu'une personne lui dit ce qu'elle souhaite dans la vie, ce dont elle a besoin, il leur confie une mission à accomplir. Ce n'est qu'à la condition que cette tâche soit menée à bien, et qu'il sache tous les détails de la préparation, que le voeu sera réalisé.
Mais l'homme étrange, qui n'a pas de nom, n'est pas un faiseur de miracles. C'est dans son mystérieux carnet (qu'il ouvre au hasard) qu'il trouve les missions à confier. Ce n'est pas lui qui décide. En fait il ne décide de rien. Il est juste leur interlocuteur, l'homme de main, en quelque sorte, de cet étrange carnet où il couche également noir sur blanc ce que lui disent ses visiteurs.

The Booth at the End est, vous l'aurez compris, une étrange série hors-norme. Déjà de par son format : les épisodes durent une demi-heure, mais sont en réalité constitués de petites vignettes qui durent environ deux à trois minutes ; chacune de ces vignettes suit une entrevue avec un personnage. Les personnages sont récurrents : ils peuvent passer plusieurs fois dans un même épisode, ou ne pas être vus pendant quelques épisodes d'affilée. Ainsi, en dépit du fait que son concept soit idéal pour une série d'anthologie, The Booth at the End est une série complètement feuilletonnante : non seulement il faut impérativement regarder les vignettes, et donc les épisodes, dans l'ordre chronologique, mais impossible de suivre un seul personnage (en cela, The Booth at the End diffère d'une série qui aurait pu être similaire, In Treatment).
Grâce à cette structure très efficace, The Booth at the End propose une incroyable dynamique qui fonctionne parfaitement, et se montre incroyablement envoûtante, alors qu'en réalité, la série se passe intégralement dans le diner.
Concept idéal pour une websérie, The Booth at the End est pourtant une série qui a été diffusée à la télévision canadienne (sur Citytv) ainsi que sur plusieurs chaînes FOX internationales (notamment en Israël, en fait c'est même en lisant une news sur sa diffusion dans ce pays que j'ai découvert son existence, oh douce ironie du sort), dont apparemment en France mais je n'ai pas trouvé les détails ; elle a également été mise à disposition, aux USA, par Hulu. En dépit de son découpage en épisodes d'une demi-heure, elle serait pourtant parfaitement acceptable sous la forme d'une diffusion découpée par vignettes, si jamais une chaîne se disait que short ne voulait pas nécessairement dire com.

Mais au-delà de sa forme, la série brille aussi, et surtout, par son contenu. Ecrite comme un thriller fantastique, The Booth at the End n'est pas sans rappeler les séries fantastiques à concept nippones, telles que The Quiz Show ou FACE MAKER, qu'on a déjà évoqué dans cette colonne (n'hésitez pas à cliquer sur les tags au bas de ce post, ça les châtouille mais ils aiment ça). Il y est avant tout question d'utiliser les outils fantastiques comme des leviers pour lever le voile sur la conscience humaine. Ainsi, se révélant incroyablement dense, profonde et captivante, The Booth at the End est aussi un incroyable thriller, une série dramatique émouvante, et une série sur l'horreur humaine dans toute sa splendeur.

Les personnages qui viennent voir l'homme mystérieux débarquent en effet pour une seule raison : on leur a dit qu'ils obtiendraient ainsi ce qu'ils souhaitent. Inutile de préciser que quand ils arrivent, ils ne comprennent pas tout de suite les règles du jeu. Par exemple, ce n'est pas l'homme qui "fait" que leur souhait se réalise : il est juste l'arbitre, en quelque sorte ; ils doivent venir à lui pour connaitre la chose à accomplir, pour reporter régulièrement sur l'avancement de leur mission, mais il n'intervient pas de quelque façon que ce soit en-dehors de ces règles. Cela occasionne énormément de frustration de la part des visiteurs de notre homme, qui pensent qu'ils peuvent négocier avec lui, voire même le forcer à arrêter le cours des choses. Ce à quoi il s'entêtera à leur répéter que ce sont eux qui remplissent la mission et font que le voeu se réalise ; s'ils veulent tout arrêter parce qu'ils ne s'en sentent pas capables, ils n'ont qu'à le faire... par contre ça signifie qu'ils n'auront pas ce qu'ils veulent. Evidemment, ce n'est pas facile à entendre pour ses interlocuteurs qui espéraient trouver en lui une solution.
Les cas qui lui sont présentés sont très variés au cours de ces deux saisons (la seconde date à peine du mois dernier). Une vieille femme veut que son mari soit guéri de son Alzheimer, un célibataire veut que la belle blonde en page centrale tombe amoureuse de lui, une jeune fille veut résoudre les problèmes d'argent de son père... La mission que le carnet trouve pour eux semble n'avoir aucun lien avec leur désir initial : la jeune fille doit aider quelqu'un qui est enfermé depuis de nombreuses années à sortir de chez lui, le célibataire doit protéger une petite fille pendant de longues semaines, la vieille dame doit faire exploser une bombe dans un lieu public.
Eh oui, pas de trip type Anges du Bonheur, les missions ne sont pas toujours faciles, et encore moins positives. Plutôt le contraire, en fait.

Car The Booth at the End se fait au contraire forte d'étudier les cas de conscience que cela soulève chez les différents visiteurs de la banquette. Les conversations avec notre homme sont toujours extrêmement profondes, intelligentes, et surtout d'un inconfort aigu, déplaisant. Ce père qui doit tuer une petite fille pour que son fils soit sauvé de sa leucémie trouvera-t-il la force de tuer la gamine de 4 ans qu'il a trouvée comme cible "parfaite" ? La bonne soeur qui a cessé d'entendre Dieu (on parle décidément beaucoup de lui sur ce blog ces derniers temps !) acceptera-t-elle de tomber enceinte afin de communier de nouveau avec Lui ?
Mais plus que l'idée, un peu karmique, qu'il faut donner pour recevoir, The Booth at the End fait aussi un épatant travail en liant certaines intrigues les unes aux autres. Pas toutes, heureusement, sans quoi cela pourrait paraître excessivement tordu. Mais suffisamment pour qu'on regarde parfois l'homme étrange avec effroi : puisqu'il sait que ces deux personnes vont se croiser, comment peut-il réussir à garder son calme ?
Il y a, toutefois, une certaine poésie dans la façon dont la série s'aventure sur le terrain des causes, des conséquences, et des réactions en chaîne, et dans la façon dont les épisodes lient, progressivement, certains Destins les uns aux autres. De ce côté-là il est absolument impossible de ne pas se laisser surprendre plusieurs fois.

La question de la responsabilité, mais aussi de l'identité, sont centrales dans une série comme celle-là. Les personnages se demanderont ainsi, à plusieurs reprises : qui suis-je pour faire ça ? Ou, plus terrifiant... qui suis-je pour ne pas le faire ?
Evidemment c'est aussi la question de la responsabilité de notre homme flegmatique qui se pose. D'abord parce qu'il est toujours un peu choquant de voir le visage de cet homme rester neutre en dépit des horreurs qui lui sont dites. Et puis parce que, avare de ses mots, il ne cherche jamais à laisser perdurer le trouble : il est prêt en permanence à clarifier les règles du jeu ("I don't like the rules", lui dira l'un de ses interlocuteurs... "Then don't play the game", lâchera l'homme comme une évidence innocente), à rappeler à chacun que tout peut être arrêté à tout moment, et qu'ils ont l'entier choix du moyen pour arriver à leurs fins. Et la différence est d'importance, car l'énoncé de leur mission est souvent bref, limite sybillin, et c'est leur propre interprétation qui sera parfois la cause des tourments des personnages. Mais ces tourments seront aussi l'occasion pour nous de plonger dans les ténèbres de l'âme humaine, et la série ne rate absolument aucune de ces plongées terrifiantes.
L'homme assis sur cette banquette est-il le Diable qui offre un pacte ? Une sorte d'intermédiaire avec Dieu ? Ou quelque chose d'autre... L'un des suppliciés lui lancera un acide "you're a monster", auquel il répondra placidement : "you might say I feed monsters". Ce qui est sans doute le plus glacial qu'on pouvait imaginer. Et dans le fond, voulons-nous vraiment percer son mystère ? Au fur et à mesure que la série avance, un autre face à face se profile, et il n'est pas non plus très joyeux...

Avec ses dialogues fins, intelligents et jamais dans la surenchère de mystère, ses personnages pléthoriques à la psyché complexe mais toujours captivante, et son personnage central qui, progressivement, prend de l'épaisseur en dépit de son mystère, The Booth at the End est une superbe expérience de fiction, qui se double, de surcroît, d'une intéressante initiative online. Ainsi, sur le site officiel de la série, vous avez accès à une intrigue totalement inédite, sous forme de jeu, pourvu de tenter, vous aussi, d'obtenir ce que vous voulez en échange d'une mission à remplir...

Alors ? A quel point voulez-vous ce que vous voulez ?

"Je ne sais pas ce que je suis...
- Religieuse. Si tu es autant tourmentée, c'est que tu es religieuse".
(Hodaya et Avri, Srugim - 1x08)

Il y a peu de choses que j'aime autant qu'écouter Letting go of God de Julia Sweeney (et plusieurs fois par an, qui plus est). Pour l'athée que je suis, c'est une source de réflexion constante, même au bout d'une dizaine d'écoutes.
Ce spectacle brillant, sorti également au format CD, raconte comment la comédienne (...ex-SNL, on ne se refait pas), élevée dans une famille aux racines irlandaises et très catholique, se pose des questions sur sa foi. Vers la fin de cet incroyable voyage spirituel (plein de drôlerie et d'intelligence, prodigieusement écrit, et jamais dénué d'émotion, au passage), quelqu'un lui glisse : "tu sais, tu aurais dû être Juive. Il est attendu des Juifs qu'ils soient en lutte avec leur foi".
Au terme de la première saison de Srugim, j'ai l'impression que la série un très bel exemple de cette lutte interne, de ce conflit. Il est présent mais il est naturel. Il ne s'agit pas de remettre en question sa foi pour la plaquer, mais juste de ne jamais totalement se laisser envahir par elle, d'accueillir le doute et la remise en question, pour mieux vivre ses croyances. Pour vérifier régulièrement ce que l'on en pense, si cela nous convient, et si on est prêt à poursuivre le chemin, avec ses moments de grâce mais aussi les autres.
En 15 épisodes (regardés depuis samedi, donc), Srugim a su faire une magnifique démonstration de cette lutte sans jamais en faire une guerre.

Cette saison a été l'occasion pour moi de découvrir une bande de trentenaires qui vivent leur religion à la fois comme quelque chose de collectif, généralement pour tout ce qui est positif (célébrations, entraide...), mais qui ont aussi un rapport intime et douloureux à la religion, lorsqu'il s'agit de se retrouver seul avec Dieu, et de prendre des décisions.

Hodaya, en particulier, est très touchante. Elle est étudiante en "Biblical criticism", fille de rabbin, ce qui, on l'imagine, n'a jamais dû être facile à concilier avec son tempérament assez décomplexé (on apprend en effet au début de la saison qu'elle porte des jeans mais n'a pas osé l'annoncer à sa grand'mère qui, très conservatrice, aurait du mal à l'accepter). Sa rencontre avec un "non-religieux" (attention, dans le contexte de la série, cela ne veut pas dire athée, mais plutôt non-orthodoxe) va la pousser dans ses retranchements. Elle vit sa pratique religieuse comme un fardeau, au point que des problématiques de coming out vont être abordées. A travers plusieurs scènes (qui, il me faut le préciser, comptent parmi les plus belles de cette saison), Hodaya va essayer de pousser les limites de sa propre foi, se fâcher avec elle-même, son petit-ami, ses amis et un peu Dieu, et finalement déterminer, à tâtons, ce qu'elle s'autorise à faire, et ce qui est hors-limites.
Quand je dis que Srugim ne parle pas de rejeter la religion, mais s'autorise abondamment à la remettre en question au plan individuel, c'est là, dans cette quête intérieure qui touche à son expérience sociale et amoureuse.

Personnage au départ introverti, Amir va également offrir de très belles scènes. C'est un homme profondément traditionnaliste, mais qui sort d'un divorce qui l'a profondément atteint. Il sert d'abord de serpillère à son colocataire Nati (il faut dire que ce dernier n'est qu'ego), avant de progressivement s'affirmer. Cela ne le mettre pas à l'abri des questionnements moraux, notamment lorsqu'il renoue avec son ex-femme...
Les dilemmes des personnages, même s'ils sont de toute évidence ancrés dans une culture qui nous reste un peu hermétique, sont finalement des représentations de questions universelles. Amir se retrouve seul, il ne parvient pas à se trouver quelqu'un parce que les divorcés sont quasiment des pestiférés sur le marché de la "drague" de Jérusalem, et même s'il ne remet pas en cause sa foi comme peut le faire Hodaya, il en teste aussi les limites à sa façon. A aucun moment il n'envisagera de tourner le dos à sa pratique religieuse, et au contraire, celle-ci lui offrira plusieurs fois la possibilité d'exprimer ce qui le tourmente, à l'instar de cette incroyable scène de chant avec des inconnus pendant shabbat, d'une grande force.

Forcément, dans Srugim, la religion est omniprésente, c'est clair. Et cela dérangera peut-être les plus anticléricaux, j'imagine, de voir les personnages prier dans presque chaque épisode, d'entendre des chants religieux, de voir des attributs religieux portés par quasiment tout le monde. Mais non seulement il n'y est jamais question de prosélytisme, sous aucune forme, mais en plus, elle prend une signification particulière dans le cadre de la vie des célibataires qui sont au centre de la série.
Car la religion représente aussi et surtout leur bagage dans la vie ; elle est à la fois ce qu'ils sont (leur éducation, leur culture), ce qu'ils font (les rites par lesquels la religion se manifeste), ce qu'ils pensent (leurs opinions politiques en découlent, par exemple), ce qu'ils sont prêts à accepter... Par-delà le socle commun, chacun a ses propres limites, sa propre interprétation de ce qui est acceptable ou pas, et cette limite bouge même en permanence pour les personnages qui sont le plus en proie au doute et à la remise en question. Déterminer où est la limite entre ce que l'on doit faire, ce que l'on veut faire, et ce que l'on refuse de faire, lorsqu'il s'agit de rencontrer l'autre : y a-t-il plus universel que cela ?
Et pourtant, j'ai l'impression que le thème n'a jamais été exploité de cette façon dans la plupart des séries parlant des célibataires, notamment aux USA où les questions amoureuses, sexuelles, et la peur de la solitude, semblent au centre des préoccupations.
Mais dans un contexte où le mariage est considéré comme une fin en soi, et la chose la plus naturelle et incontournable au monde, et où le divorce est encore accompagné d'un fort stigmate, il n'est pas très étonnant que des personnages qui savent qu'ils s'engagent pour la vie pensent plutôt à ce genre de choses qu'à des problématiques hédonistes, par exemple.
Mais pour moi qui suis si peu friande, vous le savez, de séries autour du domaine amoureux, j'ai eu l'impression de mieux comprendre et mieux ressentir ce qu'il se passait dans Srugim, parce que justement, il s'agissait d'aller un peu plus loin que les interrogations habituelles sur "cela va-t-il marcher"/"est-ce que je l'aime/il m'aime"/etc... Sans doute y a-t-il de la place pour les deux écoles, car il en faut pour tous les publics, mais celle-ci me touche plus.

Même si j'ai énormément de mal avec cette pression constante autour du mariage (les protagonistes répèteront en plusieurs occasions des phrases comme "on se connait depuis trois mois maintenant, il est temps" ; un épisode nous montrera une femme qui, fiancée et ravie de l'être, plaquera son promis pour un type qui la demande en mariage sur le champs...), qui sonne à bien des égards comme une aberration, je suis admirative par la façon dont les personnages conçoivent cet engagement. Pour eux, il faut le prendre, le plus vite possible, et presqu'avec le premier venu, mais il faut aussi ne pas se trahir et, partagés entre les deux, même dans la précipitation, je trouve leur cheminement plus profond que celui de beaucoup de personnages occidentaux sur le point de s'engager de façon similaire. La romance a toujours sa place, bien-sûr, mais elle n'est pas le conte de fées idéalisé non plus, et finalement, en étant plus pressés de se marier que leurs équivalents américains ou asiatiques, les personnages de Srugim font preuve d'une plus grande mesure.

Et puis sur un plan plus téléphagique, j'ai vraiment eu la sensation de suivre une série au charme paisible, reposant... Jamais de cris. Une gestion incroyable des silences. Une bande-son modeste et douce. Une caméra qui opère un léger mouvement de balancier en quasi-permanence. Et une fois de temps en temps, des scènes d'une grande simplicité, mais merveilleusement belles et touchantes, inspirées.
Faire ce chemin en compagnie de la bande était un moment incroyablement stimulant, de par toutes les choses que j'avais à découvrir, à apprendre, à comprendre ; mais c'était aussi, en quelque sorte, un moment de recueillement, d'introspection, et pour l'athée que je suis, c'est toujours très impressionnant de se retrouver dans la situation où on a l'impression de toucher à quelque chose de religieux grâce à une série. La richesse spirituelle, le parcours intérieur que permettent des séries comme Srugim (ou Cloudstreet, dans un registre légèrement différent) fait bien plus pour élerve spirituellement le spectateur que toutes les prêches de 7 à la Maison.

C'est exactement pour des expériences comme celle-là que je regarde des séries, et à plus forte raison des séries venues des quatre coins du monde. Il s'agit là d'une véritable aventure, capable de combler sur un plan émotionnel, téléphagique, et intellectuel. Je crois qu'il est inutile de souligner combien je vais m'engager dans la deuxième saison de Srugim avec enthousiasme, d'autant le character development effectué dans la série me fait dire que ce ne pourra qu'être meilleur encore !
Un joli coup de coeur que cette série. Parfois, ça vaut vraiment le coup d'acheter un DVD à l'aveuglette !

Cet été, j'ai fini par le faire.
Ca faisait deux ans que j'avais repéré les DVD avec sous-titres de Srugim, mais entre le prix et le fait que la série n'était pas finie, je restais hésitante. La première saison de Srugim était deux fois plus chère que l'intégrale de Mesudarim sur le site d'Israel-catalog, par exemple, un coup à vous dissuader même les téléphages les plus dépensiers ! Et puis, quand il a été clair il y a quelques mois que Srugim n'aurait pas de 4e saison, les choses ont commencé à être plus claires pour moi. Finalement, j'ai cassé ma tirelire le mois dernier pour m'offrir l'intégrale de la série.

Sur Srugim, j'avais entendu tout et son contraire. C'est que, il faut que je vous explique : c'est une série israélienne où il est fortement question de religion. Pour polariser les réactions, on imagine difficilement plus efficace. Régulièrement qualifiée de "Friends juive" (un qualificatif ridicule par essence vu qu'il s'agit d'une série dramatique) ou "Sex & the City juive" par plusieurs rédacteurs occidentaux qui visiblement se lisent les uns les autres avant d'écrire au lieu de regarder les épisodes (je n'ai pas fait exception), la série était auréolée d'un certain mystère, mais se montrait aussi alléchante de par son sujet particulier (surtout pour une goy), le fait que les personnages soient ouvertement très religieux (et sionistes), et le succès qu'elle semblait trouver.
Et puis, aussi j'avais cagoulé le générique, je le trouvais très doux et réussi, et vous savez ce que c'est, parfois un générique peut vous conquérir et vous rendre terriblement curieux.

Alors allons-y pour les présentations, histoire d'essayer de tous comprendre de quoi on parle. Srugim est l'histoire d'une bande d'amis (3 femmes et 2 hommes), qui sont tous des juifs orthodoxes vivant dans le quartier de Katamon, à Jérusalem, qui est apparemment devenu LE quartier où vivre pour les célibataires orthodoxes. On peut y vivre selon les rites exigeants de sa foi sans difficulté... tout en y cherchant l'âme soeur.
C'est en effet le problème essentiel de ces jeunes gens : dans une communauté qui accorde énormément d'importance à la famille, être célibataire est supposé être une situation temporaire, certainement pas un état et encore moins un mode de vie. Chacun ressent donc cette pression de devoir trouver la personne avec qui il ou elle passera sa vie. Il s'agit donc de rencontrer quelqu'un de l'autre sexe à tout prix, dans une culture qui pourtant ne favorise pas le mélange des sexes, et ce dans tous les sens du terme. Forcément, entre une pratique religieuse stricte et des aspirations de romance, l'équilibre est difficile à trouver.
La question est d'autant plus aigue qu'on est au 21e siècle, que les mariages arrangés sont tombés en désuétude, que les années d'étude repoussent d'autant l'entrée dans le monde adulte, et que les femmes ne sont plus autant soumises à leur époux. Autant de raisons qui font qu'il est plus compliqué pour cette génération de trouver chaussure à son pied, par rapport aux précédentes.

Cela rend d'ailleurs Srugim bien plus intéressant que la plupart des histoires de célibataires, ne serait-ce que par principe : la question n'est pas juste de faire des rencontres et de trouver quelqu'un (et d'essayer un temps, de voir que ça ne marche pas, puis de répéter la manoeuvre jusqu'à ce qu'enfin on finisse par se marier), mais bien de trouver quelqu'un qui partage les mêmes valeurs, et que ces valeurs se construisent à tâtons, en s'appuyant sur une croyance religieuse commune, mais que chacun développe ses propres critères personnels à partir de là.
Et dés le pilote, Srugim montre bien que finalement, la religion n'est qu'un outil pour faire le tri dans les opportunités qui se présentent, mais ne représente pas le critère unique à partir duquel choisir un ou une partenaire pour la vie.

Tout commence pour Srugim alors que Yifat et Hodaya, deux colocataires partageant un appartement entre filles (vivre avec un homme hors des liens du mariage est évidemment inimaginable), discutent au petit déjeuner. On ne comprend pas tout de suite de quoi elles parlent, mais ce qui est sûr, c'est qu'il est question d'un mec (et ça c'est clairement universel !).
Progressivement on comprend que Hodaya est retombée sur un type pour lequel elle avait le béguin plusieurs années en arrière, mais dont elle n'a finalement pas gardé un bon souvenir ; elle est retombée sur lui récemment et se demande si ça vaut le coup qu'elle le revoie, puisque, ne la reconnaissant pas, il l'a invitée à sortir. En attendant que Hodaya prenne sa décision, Yifat, elle, participe à une rencontre de speed dating, et y rencontre un type charmant, Nati, qu'elle avait rencontré brièvement quelques années en arrière lors d'un séminaire de Bnei Akiva. Le courant passe très vite entre eux et ils décident de s'éclipser pour aller prendre un café ; si sur le coup, le fait que Nati soit médecin était un bon point pour lui, manque de chance : il est bipé alors qu'ils n'ont fait que trois pas. Yifat invite alors Nati à venir pour le dîner du vendredi (erev shabbat), veille du samedi chômé et donc repas très important dans la communauté juive.
Cette exposition cède la place à celle de Reut, dont on ne comprend pas immédiatement en quoi elle est liée aux précédentes. Reut est en train de déjeuner avec un homme qui lui annonce d'abord qu'il vient d'être promu vice-président, ensuite qu'il a maintenant l'argent nécessaire pour se marier. Mais la belle Reut n'a pas l'air très émue par cet argument (et pas tellement plus par le "ça fait déjà 5 mois que nous sortons ensemble", ça nous faisait un point commun) et prend la mouche : ils avaient déjà l'argent de se marier, s'ils le voulaient. Son argent à elle. Mais le bellâtre a attendu de gagner autant d'argent que Reut pour faire sa demande. Le goujat sexiste n'aura pas le temps de récupérer sa mâchoire que Reut aura déjà refusé sa proposition de mariage et rompu avec lui. Visiblement, c'est le retour à la case départ.
Enfin, on apprend que Nati a emménagé avec son ami Amir. Ce dernier vient de divorcer et, étant d'un naturel peu affirmé, a laissé tout l'électro-ménager à son ex (mais fort heureusement, il a pu récupérer le Talmud, petit veinard !). Qui plus est, il est professeur de grammaire, ce qui tout de suite brosse un portrait d'homme réservé voire soumis...

Ce qui est fascinant avec les personnages de Srugim, c'est que bien que faisant partie d'une communauté ayant un socle de valeurs et bien-sûr de croyances en commun, ils ne sont pas taillés dans le même moule. Cela permet d'avoir des nuances intéressantes. Ainsi, avec son salaire apparemment élevé, et surtout sa petite pointe d'aggressivité, Reut est une femme très affirmée, avec beaucoup de répondant, et dont le regard lance de la foudre en quasi-permanence. On sent que de son côté, Hodaya est une femme très indépendante, qui prend du recul vis-à-vis de sa religion (elle est fille de rabbin mais spécialise son cursus universaire en "Biblical criticism") et peut-être même aussi certains préceptes ; elle n'est par exemple pas du tout choquée à l'idée de faire dormir un homme à la maison, même en tout bien tout honneur. A l'inverse, Yifat, sans être une romantique niaise, n'a de toute évidence qu'un objectif, rester aussi sage que possible en attendant de trouver son futur époux, et est très attachée à ses principes ; c'est une personne indépendante, mais elle a une forme de fragilité et d'insécurité qui la rend très touchante. Du côté des garçons, on aura l'occasion de brièvement voir quelques rustres machistes se faire éliminer rapidement de la vie des filles ; Nati, lui, est un type à qui tout réussit, qui ressent la pression du mariage, mais qui n'a pas l'air de comprendre qu'il souffle le chaud et le froid. Quant à Amir, c'est purement et simplement un paillasson, mais on sent qu'il a bon coeur et qu'il n'est pas totalement idiot, il est juste plus vulnérable suite à son divorce.
Là où, dans une série, on a souvent un personnage aux valeurs morales plus rigoureuses, ici, on en a donc cinq, et cela permet d'éviter la caricature, tout en abordant les problèmes de ces célibataires sous plusieurs angles.

Après l'exposition des personnages, qui passe par plusieurs autres scènes dont je vous fais grâce, mais qui ne font que confirmer nos premières impressions, Srugim se lance dans une longue soirée, celle du vendredi.
Yifat a en effet mis les petits plats dans les grands pour impressionner Nati (lequel a d'ailleurs demandé s'il pouvait amener Amir), et c'est là qu'on apprend donc que Reut participe également à ce repas du vendredi. Jusque là on ignorait qu'elle était amie avec les filles, mais elle se montre là encore très assertive, prenant la direction des opérations pendant les prières rituelles alors que les garçons n'ont pas trop l'air de savoir comment se comporter en présence des filles.

La séquence du dîner, si elle lançait quelques axes pour l'avenir (Yifat qui aimerait bien que Nati la réinvite, Nati qui en réalité a des vues sur Hodaya, Reut et Amir qui ne pourraient être plus différents et qui se prennent le bec...), m'a surtout rappelé la dynamique des dîners du vendredi de Gilmore Girls. En cela qu'on comprend que cela peut aisément devenir un rendez-vous, et donc un gimmick, permettant de régulièrement mettre les personnages ensemble, de faire éclater les conflits, bref, d'éviter que les choses marchent par tandem. La tentation serait grande, sans ce rituel de veille de sabbat, de se contenter de faire interagir Yifat et Hodaya, ou Nati et Amir, simplement parce qu'ils vivent ensemble, ou bien Nati et quiconque finira par sortir avec lui, simplement parce qu'il y a une relation amoureuse. Ce qui fonctionne comme une utilisation évidente du contexte religieux est donc un merveilleux outils pour les scénaristes, afin de forcer tout ce petit monde à se parler ensemble. Alors même que la culture de la mixité n'est pas très prégnante... C'est bien joué !

Le revers de la médaille du contexte si particulier de Srugim, puisqu'il s'intéresse à une communauté religieuse orthodoxe dont les usages ne sont pas forcément connus du grand public (et a fortiori du grand public non-juif), c'est qu'il nécessite une grande dose de concentration. Si vous n'avez aucune éducation religieuse juive, comme c'est mon cas (non, avoir vu l'intégrale d'Une Nounou d'Enfer huit fois ne compte pas), vous ne connaissez pas grand'chose des rites qui sont mentionnés ou montrés comme des évidences pendant l'épisode. De nombreux noms propres, également, se rapportant à la scène religieuse, à l'instar de Bnei Akiva que je citais plus haut, sont lancés hors de tout contexte (je suis bien contente de n'avoir jamais tenté la VOSTM, car la VOSTM marche essentiellement grâce au contexte !). De ce côté-là, le grand public en Israël n'était, je pense, pas trop perdu.
Mais ce qui est intéressant dans le succès de Srugim, c'est que même ce qui est propre aux orthodoxes ne fait l'objet d'aucune sorte d'explication. Et finalement cela rend les choses plus belles dans le déroulement des épisodes, et confère à la série une aura qui lui permet de sortir de la trivialité coutumière des histoires d'errances amoureuses.

En regardant Srugim, j'étais tentée parfois de tout mettre en pause pour aller rechercher un terme spécifique (beaucoup de mots d'origine religieuse ne sont pas traduits dans les sous-titres), et je ne savais pas toujours si mon handicap était dû au fait que je ne suis moi-même pas juive, ou au fait que la série a décidé de ne rien expliquer dans le domaine sacré. Finalement je ne l'ai pas fait, j'ai été au bout de l'épisode en acceptant qu'il y ait quelques petites choses qui m'échappent.
En fait, je crois que c'est aussi ce qui fait que Srugim fonctionne : l'universalité se loge dans le fait que même si dans la pratique, il y a des choses qui nous échappent pour tout ou partie dans la pratique religieuse de ce petit groupe, ils ont quelque chose de très accessibles sur un plan humain. La façon dont Hodaya remet en cause certaines choses, le petit côté féministe de Reut, la pétillance un peu triste de Yifat qui est tendue vers un seul but, la façon dont Amir s'excuse en permanence, ou la froideur de Nati, sont les meilleures portes d'entrées dont on pouvait rêver pour aborder la série.

Et puis, la série est incroyablement sereine dans son déroulement. Pas tellement à cause de l'angle religieux, mais parce qu'une grande importance est donnée à l'impression de naturel, et parce que même pendant les moments de crise il n'y a aucune sorte d'hystérie (c'est assez frappant sur la fin). Il se dégage de l'ensemble un grand sentiment d'équilibre, de calme, et de modération. C'est très appréciable (et confirme que la série n'a pas grand'chose de commun avec Friends et Sex & the City du côté du ton, du jeu ou des dialogues). On est dans un drama d'une grande sobriété, qui a donné la priorité à ses personnages mais qui ne veut pas les mettre en scène de façon théâtrale, et qui sait user des silences, des regards, et même (je crois que c'est le plus précieux), des dialogues prononcés d'une voix détendue.
Le monde de Srugim a quelque chose de très réaliste, pour autant que je puisse en juger, en tous cas d'authentique et de paisible, où les personnages apparaissent en fait comme des personnes. Ils ne sont pas écrits, ils respirent. Srugim pourrait presque être un documentaire, pour un peu.

A la fin de l'épisode, je me suis dit que ce serait sûrement très agréable de passer du temps avec ces cinq personnes, parce qu'ils ont l'air tellement normaux, tellement réels, tellement palpables, que je n'aurais presque par l'impression de regarder une série, mais juste d'être à leurs côtés. Et maintenant que j'ai l'intégrale, vous pensez bien que je ne vais pas m'en priver.
Ah non, c'est parfait ça alors, merci. Un coup de coeur en pleine rentrée US, vraiment ça m'aide beaucoup, tiens !

En découvrant Revenge, je m'étais promis de retenter le coup avec l'arrivée de l'été, une saison qui semblait bien plus propice, à bien des égards, pour apprécier ce thriller soapesque. Et j'avais raison, en fin de compte. Après avoir regardé, voilà 10 jours, le pilote pour la seconde fois, je me suis dit que plus vite c'était fait, plus vite c'était fini, et j'avais embrayé sur les épisodes suivants.
Revenge se situe dans cette étrange zone dans laquelle on classe les séries dont on ne peut décemment pas dire qu'on les aime, mais qu'on prend plaisir à suivre et qu'on ne déteste même pas vraiment. On est simplement conscient, en les suivant, qu'on pourrait passer notre temps à regarder quelque chose d'une qualité supérieure, soit sur le plan de l'écriture, soit de l'émotion, que les options pour le faire ne manquent pas, mais que, bon, voilà, maintenant qu'on a commencé, c'est quand même dommage d'arrêter.
Une zone un peu bâtarde qu'on ne peut même pas assimiler à du guilty pleasure (mais, ressentant très rarement de honte quel que soit le programme que je regarde, je ne suis toujours pas certaine de comprendre le concept de guilty pleasure, alors...) mais qu'on est physiquement incapable de qualifier de plaisir tout court...

En tous cas, toujours est-il que 10 jours plus tard, cette première saison est finie pour moi, et très franchement, je ne saurais toujours pas dire, arrivée à ce point, pourquoi je me suis tapé les 22 épisodes. Peut-être parce qu'une fois de temps en temps, je regarde des séries qui marchent plutôt que celles qui se font annuler comme des malpropres ? Qui peut dire. Mais en tous cas, l'heure est au bilan, et voici donc mon post sur cette première saison de Revenge, avec ses qualités, ses défauts, et ses défauts. Pardon si je me répète...

Revenge est donc cette histoire classique de la personne seule contre tous qui cherche absolument à se venger des riches qui ont fichu sa vie en l'air (toujours des riches, forcément). Amanda Clarke n'avait en effet que 9 ans quand un soir, une unité anti-terroriste est intervenue dans la maison qu'elle partageait avec son père, arrêtant celui-ci avant de la confier aux services sociaux. Passée d'institution en institution, la petite fille grandit avec la conviction que son père est un terroriste ; elle ne le reverra plus. Devenue adulte, elle retourne sur les lieux du drame, les si huppés Hamptons. Son but ? Obtenir réparation de la famille qui a causé la perte de son père : les Grayson. Toute ressemblance avec la famille Gracen de Profit est évidemment fortuite. Ou bien ?
A partir des éléments que son père lui a laissés au moment de son émancipation, Amanda, devenue Emily Thorne, va donc lentement remonter la piste des Grayson, qui sont les véritables coupables ; leurs complices, un à un, vont tomber dans ses pièges successifs... mais ce n'est jamais assez.
Tant qu'elle n'aura pas été jusqu'au bout de son plan avec les Grayson, elle ne trouvera pas satisfaction. Et encore.

La saison va se dérouler en plusieurs étapes. La première sera de rayer un à un les pions "intermédiaires", ceux qui ont été utilisés, manipulés ou parfois même menacés par les Grayson, afin de faire porter la responsabilité de leurs actes à David Clarke, le père d'Amanda, puis de le faire disparaître. Cette séquence éliminatoire prend une poignée d'épisodes ; c'est un peu répétitif mais fort utile pour commencer à rassembler les pièces du puzzle. Car en effet, si Emily semble au courant de toute l'affaire, ce n'est pas du tout le cas des spectateurs, qui sont condamnés à apprendre de façon épisodique ce qui s'est réellement passé en 1991, quand les Grayson ont blanchi l'argent d'un groupe terroriste avant de faire porter le chapeau à Clarke ; pour couvrir cette couverture, il leur a ensuite fallu continuer à intriguer, aggravant leur cas.
Une fois les premiers éléments posés, et les personnages mineurs mis sur la touche afin à la fois de prouver le brio d'Emily et nous servir d'introduction à la mythologie de la série, Revenge se calme progressivement dans son trip auto-assumé Dix petits nègres, pour se recentrer sur la famille Grayson. On passe alors dans une autre phase, plus longue, pendant laquelle Emily semble s'infiltrer avec aisance dans la riche famille Grayson. Cela passe apparemment par une riche idée : faire en sorte que le fils aîné des Grayson tombe sous son charme, se fiancer à lui et...
Le problème majeur de Revenge, c'est justement ça : cette vengeance en cheval de Troie. Emily va passer le plus clair de son temps à avoir le regard haineux et à clamer à qui veut l'entendre (ou plutôt au seul habilité à l'entendre, son "ami" Nolan) que telle un Cylon, elle a un plan, et qu'elle finira par les avoir. Par se venger. Par obtenir un semblant de justice pour son père.
Mais quel est ce plan ? Aucune idée. C'est d'ailleurs ce qui fait la différence entre un vrai thriller et un simple soap : ce dernier se réserve la possibilité d'inventer un retournement de situation à la dernière minute, même extravagant, pourvu de prolonger un peu les choses au besoin. Il est clair que les scénaristes n'ont qu'une vague idée de l'objectif qui est celui d'Emily... Pourquoi veut-elle épouser le fils de la famille Grayson, par exemple ? C'est un axe central de la saison et pourtant on comprend mal en quoi cela lui permettra de se venger des Grayson mieux qu'elle ne l'a fait avec les autres gêneurs sur son passage. En fait le plan semble passablement ridicule : Emily/Amanda a le choix entre, disons, tuer l'un, l'autre ou les deux enfants de la famille Grayson d'une part, ou d'autre part coucher avec leur fils, risquer d'en tomber amoureuse, se coletiner la vie de famille de cette dynastie suspicieuse, pour... euh...? Pour arriver à quoi, en fin de compte ? Je suis bien incapable de le dire et j'ai vu toute la saison ! Les ressources qu'elle déploie, autant sur le plan de la manipulation, de la recherche que de la surveillance technique, lui sont à première vue bien plus utiles que se marier avec l'héritier de la famille ; ce n'est pas la meilleure façon d'obtenir des informations, comme son équipe avec Nolan le prouvera en de nombreuses reprises.
Sans ce manque de vue à long terme, Revenge pourrait aisément faire pardonner les axes les plus soapesques de son intrigue, comme les relations amoureuses de certains personnages secondaires, par exemple. Mais l'équilibre n'est pas préservé pendant ce tronçon longuet pendant lequel Emily semble piétiner sans raison.

L'avant-dernière partie de la série est pire encore. En introduisant un acte totalement parasite (la mort d'un des personnages secondaires qui n'avait pas vocation à faire partie de la mythologie centrale), la série décide de s'empêtrer dans une intrigue qui, pour le coup, ne pourrait pas hériter plus de la tradition des soaps. Qui est le meurtrier ? Est-ce le vrai meurtrier qui va être puni par la Justice ? Pourquoi donc en passer par là ? Eh bien probablement parce qu'à l'issue de la commande initiale, l'équipe de Revenge a reçu confirmation que des épisodes supplémentaires avaient été commandés, et que ce n'était absolument pas prévu. Alors forcément, on colle un patchwork d'intrigues histoire de gagner du temps jusqu'au final.

C'est dans cette dernière ligne droite que Revenge réussit réellement sa mission. D'abord avec ce qui reste probablement l'un des meillers épisodes de la saison, avec l'orchestration brillante de plusieurs flashbacks. Ensuite parce qu'enfin, plusieurs pièces placées depuis le tout début de la saison, et que c'est précisément ce qu'on attendait. Mais tous les éléments ne sont pas clairs, et certainement pas tous résolus parce que, eh bien, on va encore gagner du temps jusqu'à la saison 2. Fort heureusement, les pistes lancées pour cette seconde saison ne sont pas forcément décevantes, et permettront probablement d'éviter tout risque de répétition. Vu ce qu'on sait des scénaristes, c'est rassurant de savoir qu'au moins, on n'aura pas à tourner en rond, quand bien même cette fichue vengeance ne devrait pas s'accomplir avant une décennie.

Puisque son scénario n'est pas exactement d'une originalité à toute épreuve, que ses détours tordus sont plus souvent des prétextes que la preuve d'une intention claire sur le long terme, et que la mythologie, bien que complexe, ait tendance à pouvoir être artificiellement complexifiée au besoin, l'un des atouts dont Revenge avait besoin, c'est d'un cast solide.
De ce côté-là, il y en a vraiment pour tous les goûts. Emily VanCamp, pour commencer, démarre la saison en bien mauvais état ; peu convaincante lorsqu'il s'agit d'être venimeuse, elle a également tendance à répéter toujours les mêmes expressions lorsqu'elle complote dans le dos des Grayson. Cela s'arrangera fort heureusement en cours de saison, mais il manque tout de même quelques grammes de charisme dans son cocktail d'élégance, de finesse et de duplicité, qui feraient d'elle une héroïne comparable à d'autres grandes figures de la télévision. Jamais vraiment capable de décoller, et d'une scolarité insupportable lorsqu'il s'agit de lire un monologue sur un prompteur pour fournir l'abondante voix-off des épisodes, Emily VanCamp manque d'envergure. Ce n'est absolument pas le cas, en revanche, de sa némésis Victoria Grayson, qui a une aura de folie. On peut ricaner devant son visage refait, mais Madeleine Stowe sait donner le change, même avec une bouche passée au hâchoir. Au point même qu'elle est capable de donner le change quand ça ne sert à rien du tout. Battements de cils courroucés, pincement méprisant des lèvres, et petit sursaut des pommettes plein de fauceté, sont au programme au permanence même quand il n'y a rien à dire. Fort heureusement, Victoria Grayson est l'un des deux personnages les mieux écrits de la série ; elle a notamment droit aux seules séquences d'émotion réellement touchantes ; son drame personnel, c'est d'être tombée amoureuse de David Clarke alors qu'elle était mariée à Conrad Grayson, un homme prêt à tout pour sauver sa famille, son nom et son patrimoine. Peut-être que si elle avait quitté son mari plus tôt, on n'en serait jamais arrivés là, mais on ne le saura jamais parce que Victoria Grayson, que voulez-vous, tient aussi quand même à son standing. Et c'est un personnage rongé par le remords, mais aussi une femme qui pleure encore l'amour véritable dans sa vie, que nous offre Stowe. Ca me ferait un peu mal d'estimer qu'elle mérite une nomination aux Emmys, cela dit, et je crois que j'ai encore du mal à avaler que dans quelques jours, elle puisse prétendre au titre, mais enfin, elle a du mérite.
Quel est donc l'autre personnage génial de Revenge ? Mesdames et Messieurs, sous vos yeux ébahis : Nolan Ross. Plus âgé qu'Emily, il devient à la fois une sorte de voix de la raison, son geek de service (il en faut toujours un maintenant, c'est la loi, vous savez bien), et son animal de compagnie. Incarné par un Gabriel Mann qui sait apporter énormément de nuance à un personnage qui aurait pu jouer sempiternellement les faire-valoir, Nolan va dévoiler une grande vulnérabilité, un sens génial de la formule et de l'humour en général (je ris encore en pensant au "Revengenda" !), et va également démontrer un attachement et une loyauté sans limite envers Emily qui va mettre environ 20 épisodes avant de lui rendre la pareille. Hélas pour Gabriel Mann, il n'a pas la bouche pulpeuse de Madeleine Stowe, et il n'est nommé nulle part cette année.
Mention également honorable à la petite Emily Alyn Lind qui incarne une jeune Amanda très réussie et pour qui on signerait volontiers pour un épisode entier à ses côtés, si seulement les lois sur le travail des enfants le permettaient.
Et puis, il y a les mentions déplorables pour contrebalancer ce tableau d'honneur. Et il faut bien avouer que le cast de Revenge regorge de personnages qui n'ont pas hérité des meilleurs acteurs, à moins que ce ne soient l'inverse. Ca n'aide pas à se débarrasser du désagréable goût de trop peu de la série, et amplifie au contraire l'effet soap au rabais (ajoutez à cela les décors bling bling ; les effets spéciaux, heureusement progressivement abandonnés, pas très fins ; et l'abondance de soirées de l'ambassadeur, et vous touchez le jackpot). Ashley Madekwe, Josh Bowman et Nick Wechsler comptent parmi les très, très mauvais élèves de la classe. Certes leur rôle est ingrat, m'enfin faut ptet pas tout mettre sur le dos des scénarios, hein.

Alors du coup, à l'arrivée comme au départ, Revenge n'est pas une grande série. Il n'y a pas eu de véritable effort pour dépasser les apparences convenues, faciles, et un peu cheap, de son pilote. Elle se prend sans doute un peu trop au sérieux pour y parvenir, aussi. J'avais l'impression de pouvoir suivre le cheminement de pensée des scénaristes, et de ne pas avoir l'impression qu'ils s'éclataient. Pourtant, y a-t-il plus jouissif qu'une série sur la vengeance ? Plus libérateur ? Plus décomplexé ?
Revenge a une énorme marge de progression si elle veut entrer dans le panthéon des séries qui méritent vraiment leur succès. Il y a pire dans la vie que de devoir le vérifier en regardant la deuxième saison de Revenge, mais je ne pense pas le faire sur des semaines et des semaines, j'aurais vraiment l'impression de polluer mon emploi du temps téléphagique avec une série peu signifiante. On se donne donc rendez-vous l'été prochain pour le retour de la vengeance.

Nous avons passé une bonne partie de cette semaine russe, pour le moment, à aborder le lien que la fiction nationale entretient avec les séries occidentales. Pour changer un peu de disque et voir ce que la Russie peut aussi apporter d'original, j'ai suivi la recommandation de Livia, et ai testé le pilote de la mini-série Nebesniy Soud.

Diffusée en 2011, la série est un petit ovni dans une production télévisuelle souvent passionnée par le réalisme (on reviendra sur ce point avant la fin de la semaine), de part à la fois sa volonté de partit d'un contexte fantastique, mais aussi dans son choix de réalisation. Celui qu'on doit remercier pour ce souffle d'air frais, c'est Alena Zvantsova, qui est à la fois le scénariste et le réalisateur de ces 4 épisodes totalement à part.
Mais d'abord, un mot sur lui avant de parler de ce pilote : après avoir commencé sa carrière à la fin des années 90 en tant que comédien, obtenant un petit rôle dans le sitcom Klubnichka, il s'est en effet pris de passion pour la télévision où progressivement il s'est fait une place en tant que scénariste s'intéressant à tout. Ainsi, avant de créer Nebesniy Soud, il avait créé de nombreuses séries, comme Molodoi Volkodav, une série d'heroic fantasy servant de prequel à un des films russes les plus coûteux de l'histoire,Volkodav iz Roda Serykh Psov ; Doktor Tyrsa, une série médicale située dans le milieu du sport de haut niveau ; ou encore Klissa, une mini-série de 4 épisodes sortie l'année précédant Nebesniy Soud, un drame disséquant une relation adultère. Zvantsova est un touche-à-tout, donc, dont on pouvait absolument tout attendre.
Et tout, c'est très précisément ce qu'il nous offre avec Nebesniy Soud.

Le pilote de cette mini-série a tout simplement tout pour plaire (et en particulier, pour me plaire). D'abord, c'est une série sur la mort, et plus encore, sur la vie après la mort, ce qui est forcément fascinant. C'est aussi une série fantastique avec des éléments très oniriques, et c'est toujours un ingrédient plaisant. Pour finir, c'est un drama légal, et vous savez combien je suis férue de ce genre de choses.
Alors du coup, Nebesniy Soud est forcément atypique.

L'épisode commence pourtant de façon un peu étrange, alors qu'un homme accouche d'une douloureuse déclaration d'amour dont on a l'impression qu'elle lui arrache les tripes plutôt qu'elle ne le transporte ; cette déclaration s'assortit d'une demi-demande en mariage à une femme qui n'a elle-même pas l'air totalement convaincue qu'il s'agisse d'une bonne idée. Le comportement de la femme s'explique très vite : voilà deux ans qu'elle a apparemment perdu son mari, et elle n'est visiblement pas tout-à-fait remise. Cela explique, par ricochets, la torture de son soupirant, qui sent visiblement qu'il lui faudra beaucoup d'efforts pour la convaincre.
Ce n'est qu'en sortant de l'appartement de sa peut-être fiancée (si elle accepte ce soir au dîner la demande définitive et officielle) que notre homme... meurt brutalement en tombant dans une bouche d'égoûts ouverte. Une mort ingrate, mais qui ne nous attriste pas.
Pourquoi ? Parce que même pendant sa déclaration, notre homme a trouvé le moyen de lancer des mimiques narquoises à la photo du défunt mari de la femme qu'il aime, et qu'en ce moment précis, il trouve autant d'énergie à narguer le portrait d'un mort, ne joue pas en sa faveur.

Nous ne le savons pas mais nous avons déjà commencé à participer au procès de cet homme, prénommé Nikita. Car en effet, une fois mort, comme tout un chacun, il va se diriger vers le tribunal céleste qui décidera de son sort : la zone de "repos" ou la zone de "réflexion". Inutile de préciser qu'il s'agit là de doux euphémismes, mais c'est là que Nebesniy Soud fait fort : en introduisant immédiatement un vocabulaire propre, permettant d'installer son univers, mais aussi en s'affranchissant rapidement de la question religieuse pour s'élever vers un discours aussi universel que possible.
Nous sommes donc, tous, jugés après notre mort, et nous sommes tous, le temps de cette mini-série, placés dans le boxe du jury. A nous de décider, de regarder les faits, d'entendre les plaidoiries...
Nebesniy Soud a en effet d'excellentes plaidoiries, et c'est la marque des meilleurs legal dramas. Pour cela, elle nous propose deux personnages, le procureur Andrei, un homme maussade et meurtri, et, passez-moi l'expression, raide comme la Justice ; et l'avocat de la défense Beniamin, un bon vivant aimant les effets de manche et la dérision. Tous les deux ne pourraient pas être plus différents, et c'est peut-être la raison pour laquelle ils sont amis, de ce genre d'amitié qui vous fait apprécier les silences de l'autre mais qui vous permet de vous quereller gentillement quand l'un ou l'autre ouvre la bouche.
Le tandem fait des merveilles pour nous introduire au milieu judiciaire un peu particulier de la série, nous en dévoilant les coulisses. Ainsi, Andrei rendra visite au cours de l'épisode à Morpheia, qui règne sur l'inconscient des gens ; plus tard, c'est Beniamin qui s'offrira un petit voyage sur Terre dans un corps d'emprunt. Il faut aussi compter sur un autre personnage pour soulever les jupes de la Justice céleste et nous faire voir en-dessous, une greffière au grand coeur, chargée d'accueillir les nouveaux arrivants. Ce petit monde se connaît : on ne va jamais très loin dans les couloirs du Palais de Justice, on boit dans le même bar qui vend littéralement des illusions au goût amer, et on vit de connivence autour de dossiers pourtant parfois difficiles.

Et pour cause : il faut décider du sort des gens en se basant sur leurs actions, ce qui implique en général de partir de leur toute dernière action avant de mourir. On devine que c'est un moment souvent décisif...

Nebesniy Soud fait pourtant plus qu'utiliser la mort de Nikita comme prétexte pour nous dévoiler le fonctionnement du système judiciaire céleste. Une vraie dramatisation vient s'ajouter à son dossier : le procureur Andrei n'est autre que le défunt mari de la femme que Nikita voulait épouser. Le procès est donc loin d'être anecdotique, il a valeur de véritable tragédie grecque (enfin, russe...) alors qu'Andrei et Beniamin discutent du procès non seulement à titre professionnel que privé, qu'Andrei s'acharne sur le dossier de Nikita, ou encore que l'audience aboutit à une glaçante confrontation...
Sans aucun doute possible, la mini-série met en place de grands moments dramatiques puissants, dont le pilote (seul épisode traduit pour le moment, sauf erreur, et par, il faut le noter, une équipe francophone de subfactory) donne déjà de saisissants aperçus. Difficile de retenir une larme quand Andrei, accablé, voit le témoin de la défense entrer dans le tribunal, par exemple...

Originale, passionnante, émouvante, et intelligente, Nebesniy Soud n'est pas une série "mainstream" que le public russe dévore (et pour cause, pour le moment elle n'a été diffusée qu'en Ukraine), et a toutes les qualités de la série méconnue sur laquelle public téléphage est ravi de mettre la main, au risque d'en tirer des généralités sur la fiction russe. Mais qu'importe l'illusion de flacon, pourvu qu'on ait l'ivresse...