Il est des séries qui ont un effet sur nous, et sur nos émotions. On peut en général espérer que cet effet soit positif, mais c'est évidemment très variable. Certaines nous rappellent des souvenirs, par exemple, d'autres nous incitent à réfléchir sur nous mêmes. Simplement regarder une série qui a une bonne histoire ou de bons dialogues, ou même qui peut nous imprimer temporairement un sentiment, sont des façons d'apprécier une fiction parfaitement dignes. Mais atteindre le moment où la série fait encore plus pour vous est un rare cadeau, à apprécier à sa juste valeur.
Il est simplement des séries capables d'atteindre notre âme et de lui imprimer un mouvement, même subtil.

Alors que 3 semaines s'étaient écoulées depuis mon visionnage du 3e épisode de Buzz Aldrin, hvor ble du av i alt mylderet ?, j'ai enfin pu voir le dernier épisode, que j'avais été proprement incapable de trouver avec des sous-titres ; mais de vous à moi, de toute façon, après avoir vu le pilote je n'ai plus beaucoup cherché tant il était certain que j'allais me commander le DVD. Quelques euros et plusieurs jours de patience plus tard, le coffret de Buzz Aldrin est effectivement arrivé dans ma boîte aux lettres et, je ne regrette rien de rien, l'investissement valait mille fois le coup (mais ne le dites pas au vendeur de NordicDVD).

Après le résumé des épisodes précédents, il a suffit de moins d'une minute pour que je pousse un soupir et que je détende mes épaules.
C'était comme se sentir soudainement délestée de tout. Tout comme Mattias venait trouver la sérénité dans les îles Færoe, je crois que j'y ai trouvé de façon similaire énormément de calme : le tempérament taciturne mais à la fois plein de tendresse du héros, son entourage extrêmement chaleureux et accueillant, même si forcément un peu barré et abîmé, et évidemment, la beauté des décors, sont une véritable thérapie.

Quel que soit votre tourment et quel que soit sa gravité, je gage qu'il puisse être soigné, même si ce n'est que temporairement, par Buzz Aldrin. Précisément parce que cette série parle si bien de reconstruction, toute lente qu'elle soit. D'ailleurs, lorsqu'on apprend dans le final combien de temps s'est passé depuis le pilote, difficile de ne pas être surpris tant on avait vécu les évènements hors du temps, sans se soucier d'une quelconque chronologie en-dehors de quelques flashbacks. Je crois bien que c'est l'effet voulu : se concentrer sur la guérison et non sur le temps qu'elle prend. Il faut ce qu'il faut.
Difficile de ne pas penser à toutes les fois où ça m'aurait sans doute fait le plus grand bien de pouvoir regarder Buzz Aldrin et m'installer pendant une petite heure à l'Usine, moi aussi, pour vider mes émotions dans la mer, et arpenter les décors rudes, et pourtant si réconfortants.

Comme Buzz Aldrin fait du bien ! Un vrai pansement pour l'âme. Malgré ses scènes parfois délicates voire carrément tristes, en dépit des quelques fois où on a envie de secouer Mattias par les épaules jusqu'à ce qu'il prenne conscience de sa passivité, malgré toutes les émotions par lesquelles on passe, le coeur continue de se régénérer, comme en tâche de fond. On se sort du visionnage de Buzz Aldrin avec le sourire aux lèvres et l'impression de respirer un air plus pur.

L'aventure Buzz Aldrin s'achève donc pour moi. Non sans bien des regrets. Ce n'est pas tant que la série soit trop courte : son évolution et sa fin sont des évolutions naturelles et qui bouclent bien le parcours de Mattias ; de toute façon Buzz Aldrin, hvor ble du av i alt mylderet ? est l'adaptation d'un roman, et sa durée était décidée d'avance.
Mais j'aurais apprécié pouvoir passer plus de temps dans ces îles à la beauté brute et sereine. Je crois que ça me plairait d'avoir une série qui, semaine après semaine, ait cet effet soignant, et d'avoir ce rendez-vous pendant, je ne sais pas, pourquoi pas la durée de toute une saison télévisuelle ? Ça ferait un bien fou.

Et puis, je crois aussi que Buzz Aldrin a réussi à m'atteindre et rappeler très exactement tout ce qui m'attire dans les pays nordiques, tout ce qui fait que depuis des années je monte lentement mon petit projet. Bien plus que me raconter une magnifique histoire pleine d'humanité, la mini-série s'est infiltrée et m'a rappelé ce petit recoin de mon coeur où je caresse l'idée qu'un jour...

Il y a quelques heures débutait en Nouvelle-Zélande la dramédie Hounds, qui comme son nom le suggère se déroule dans l'univers des courses de lévriers. Voilà bien un contexte à la fois étrange et fascinant, qu'on n'a pour le moment pas eu l'occasion d'explorer à la télévision.

Tout commence... et c'est fort à propos, quand on connait le sujet du SeriesLive Show de ce soir... alors que David, propriétaire de l'un de ces lévriers, meurt à la fin d'une course, visiblement d'une crise cardiaque. Il laisse derrière lui une immense maison, Lily, une jeune adolescente déjà orpheline de sa mère (une asiatique), et Lundy Dixon Watson, son chien ; l'entraîneur de celui-ci, Marty, vit avec eux. David avait également un fils plus âgé, Will, qui a quitté la maison il y a bientôt deux décennies maintenant, poursuivant sa vie d'avocat sans trop regarder en arrière. Or, dans son testament, David confie Lily à la garde de Will ; sauf que ces deux-là n'ont pas la même mère, et ne se sont jamais rencontrés, ce qui rend la situation inconfortable.

En dépit de ce pitch un peu déprimant, Hounds commence pourtant de façon très drôle, voire hilarante. C'est plutôt l'ambiance générale de la série, un peu décalée et absurde mais pleine de finesse, ainsi que ses dialogues pince-sans-rire, qui fonctionnent parfaitement. La scène des funérailles de David est l'occasion d'apprécier, en particulier, la forme d'humour choisie par la série. Si un lien de parenté devait être établi à des fins de repères, on serait plus dans un humour proche de certaines comédies/dramédies du câble américain, que dans des single camera déjantées ou des sitcoms de networks. Mais personnellement j'ai rapidement accroché.

Tandis qu'il veut régler les détails de la succession, Will s'installe donc temporairement avec Lily, Marty et Lundy Dixon Watson, embarquant avec lui sa petite amie du moment, une écervelée de 19 ans. Je dis "temporairement" parce que l'une des premières choses que Will vérifie, c'est la valeur de la maison de son père, dont certes Lily a hérité de la moitié, mais dont il espère pouvoir la revendre (il ne reste en effet pas d'argent, tout ayant été dépensé dans les funérailles, et avec quel bon goût !). Lily lui en garde d'ailleurs un chien de sa chienne.

En vérité c'est certainement Lily qui est le personnage le plus délicieux de ce pilote. Sa façon de rembarrer subtilement son demi-frère, ses observations sur diverses choses (notamment la petite amie de Will, qui en tient une sacrée couche), et ses réactions en général, font d'elle, sans hésitation, la véritable héroïne de ce pilote, sans que l'épisode ne tente d'en faire sa star (comme ça peut être le cas pour Suburgatory, mettons). Bien que frappée du syndrome de l'adolescente mûre pour son âge, elle ne se montre jamais insupportable, et réagit tout de même en adolescente "normale" à plusieurs reprises. On ressent aussi de façon très vive à la fois son attachement envers son père, même si elle n'a en définitive aucune scène avec lui, et l'affection profonde qui la lie à Marty, qui d'ailleurs espérait être son tuteur avant d'apprendre que le testament de David en avait décidé autrement. Leur petite mécanique semble bien huilée ; comme cette séquence où c'est elle qui conduit la fourgonnette, parce que ça a toujours été elle qui conduisait son petit monde aux courses, et qui montre une grande connivence, s'imposant avec une sorte d'évidence tranquille, entre l'adolescente et l'entraîneur.

Quant à l'univers canin, la façon de l'aborder n'est pas de nous y plonger tête la première en insistant sur le déroulement des courses ou ce genre de choses. Au début de l'épisode, c'est plutôt son aspect communautaire qui est évoqué, avec ces maîtres et ces chiens présents à la cérémonie, ces gens qui s'épaulent parce qu'ils partagent un intérêt commun, et qui vivent les soirées de courses plus comme une sortie et un plaisir que comme un enjeu vital. C'est vraiment une façon de dépeindre ce milieu qui lui confère immédiatement beaucoup de chaleur et d'humanité ; la dernière partie de l'épisode se déroulera pendant l'une de ces soirées de courses, où la moitié du plaisir vient de ce qu'on passe du temps au bar à suivre la course un verre à la main. Le peu de compétition qui s'y déroule entre les propriétaires de chiens est même montré sous un angle ridicule, même pour ce monde légèrement ringard, soulignant qu'on n'est pas tellement là pour remporter des prix. Je suppose cependant qu'on aura le temps d'aborder d'autres thèmes sur les courses ultérieurement, et que cela peut changer plus tard.

Dans tout ça, je suis un peu plus partagée quant à Will ; s'il est un peu perdu dans ce monde qu'il n'a jamais cherché à connaître, il n'a pas trop l'effet "fish out of the water" qu'on aurait pu attendre, et c'est définitivement un bon point. Mais son personnage n'apporte pas grand'chose, ni humoristiquement, ni dramatiquement. Quant à sa vie professionnelle, la scène au cabinet d'avocats où il travaille, sans manquer d'être drôle avec ce boss étrange qui a tendance à se désaper devant ses employés et y prend un plaisir malsain, n'apportait pas grand'chose. A moins que cela n'offre des possibilités insoupçonnées par la suite, je ne vois pas trop ce que ça peut donner de savoir comment Will vit sa vie au loin, puisqu'elle n'est ni fondamentalement désagréable (ce qui aurait servi à le convaincre de faire sa vie dans le milieu des courses), ni totalement géniale (c'est d'ailleurs bien vu, moins caricatural, que son cabinet ait l'air assez modeste).

Mais l'avantage principal de Hounds réside, c'est net, dans son ambiance, son ton, ses dialogues sans lourdeur, et sa capacité à trouver le moyen d'être drôle sans se construire autour de "gags" à proprement parler. Il se dégage en plus une telle impression de sincérité et de tendresse de ses personnages, et l'univers absurde des courses est si bien rendu.
Reste à voir comment la saison, prévue pour un total de 6 épisodes, évoluera à partir de là, car bien malin qui peut prédire à ce stade comment les choses vont tourner... Et c'est finalement un bon point en faveur de cette dramédie.

A moins que Hounds ne soit annulée si 3 lévriers meurent sur le tournage ? Mouais, à surveiller...

Dans mon post d'hier, j'ai mentionné une série dont je n'avais vu que le pilote : For Better or Worse. Mais il ne vous aura pas échappé qu'on est un peu en rupture de sitcoms en ce moment, et suite à cette mention, je me suis dit : bon, allez, la première saison fait 10 épisodes, qu'est-ce que ça me coûte ?
Non seulement ça ne m'a rien coûté mais j'ai été très surprise de suivre la série sur la globalité de sa saison, et d'y trouver quelque chose de très différent de ce à quoi je m'attendais, même alors que j'avais vu le pilote.

Difficile pourtant pour un sitcom d'avoir un aussi mauvais karma que For Better or Worse.
Déjà, la diffusion sur TBS devrait vous mettre la puce à l'oreille. Je suis prête à parier que vous êtes incapable de nommer UNE série originale de TBS qui vous ait fait rire... en partant du principe que vous en ayez vu quelques unes, bien-sûr. C'est mon cas, à peu près depuis que la chaîne a décrété qu'elle était "very funny", et le problème c'est que la chaîne et moi ne partageons pas du tout la même opinion à son sujet... ou le même humour.
Mais bien évidemment, la plus grande force jouant dans l'attrait (ou absence de) pour For Better or Worse, c'est Tyler Perry. Vraiment, si vous ne le connaissez pas, ouvrez votre moteur de recherche favori et consacrez-lui quinze petites minutes, c'est édifiant. Mais tout aussi incroyable que soit son succès, ses recettes pour la télévision méritent notre attention, à nous téléphages, parce qu'elles sont totalement à contre-courant de ce qui se fait dans l'industrie télévisuelle classique, mais fonctionnent si bien que c'est devenu un nouveau modèle (qui sera d'ailleurs celui d'Anger Management dans quelques jours). Tyler Perry est capable de produire des épisodes quasiment au kilo ; j'étais plus entrée dans le détail de ses méthodes il y a deux ans, et son système ultra-rentable s'est affiné avec le temps.
For Better or Worse appartenait donc à cet univers-là à sa naissance, un monde où les épisodes sont tournés dans des temps record, pour un prix ridicule, et à destination d'un public "black" réputé (à tort ou à raison) peu exigeant.

C'est peut-être d'ailleurs la raison qui a fait que j'ai regardé le pilote de For Better or Worse d'un oeil détaché, pour ne pas dire désabusé, lorsque les 10 épisodes de la commande initiale ont commencé à être diffusés en novembre dernier, avec comme perspective que 90 autres seraient achetés par TBS si la série faisait ses preuves.

L'épisode n'est pas franchement épatant. On a l'impression d'y retrouver les recettes éternelles des sitcoms "blacks", à plus forte raison si on a vu Let's stay together qui semblait reposer quasiment sur la même formule : parler des relations amoureuses à travers des couples (et dans le cas de Let's stay together, une célibataire), sans explorer la question de la rencontre mais plutôt de l'après.
Mais il avait, en même temps, quelque chose que les autres séries dans son genre n'avaient pas. Ou plutôt non, je le formule mal : il n'avait pas quelque chose que toutes les autres ont : des rires. Les séries de Tyler Perry sont, d'après ce que j'en lis, tournées sans public, et les rires sont donc artificiels. C'est à mon sens un soulagement de s'en débarrasser dans un sitcom déjà assez dépourvu en subtilités ; je me fais souvent la réflexion que certains sitcoms y gagneraient, sans pour autant devenir des single cameras, mais c'est la première fois que je vois quelqu'un réellement passer à l'acte. Tyler Perry l'a donc fait, et le moins qu'on puisse dire, c'est que ça fait du bien.

L'expérience du pilote se poursuit donc avec ce soulagement de voir que les gags ne sont pas soulignés à l'excès par des rires en boîte. Car les gags existent, aucun doute là-dessus.

Mais avant de vous parler de l'histoire de For Better or Worse, laissez-moi vous présenter les personnages. Concentrez-vous une minute, il va falloir suivre, c'est un peu Dallas.
Un couple, Marcus et Angela, est marié depuis 13 ans ; ce sont eux le couple central de la série. Ils ont un fils de 12 ans appelé MJ, et Marcus a, de son premier mariage, un fille appelée Dominique qui en a 14. La mère de Dominique, qui est donc l'ex-femme de Marcus, s'appelle Keisha, et le moins qu'on puisse dire c'est qu'entre Angela et Keisha, ce n'est pas forcément le grand amour.
Angela est directrice d'un salon de beauté ("Lady Angie"), qui emploie Jennifer, une mère célibataire au tempérament explosif. Angela, elle, coiffe régulièrement dans son salon sa meilleure amie Leslie, une charmante créature belle et douce qui vit avec Joseph depuis plusieurs années, sans qu'ils soient mariés.
Joseph est, de son côté, le co-présentateur de Marcus dans l'émission sportive qu'ils dirigent ensemble.
C'est bon ? Vous y êtes ? ...Je vous avais prévenus. Mais vous allez voir que c'est important pour la suite.

Voilà donc ce que raconte ce premier épisode : tout commence quand, alors qu'ils prennent leur petit-déjeuner, Dominique et MJ commencent à se disputer. Dominique vient en effet de traiter Angela de pétasse (des propos qu'elle tient vraisemblablement de la bouche de Keisha), et MJ a défendu sa mère. Ce petit évènement va faire boule de neige, mettant en exergue l'opposition larvée entre les deux femmes dans la vie de Marcus. Le pilote construit donc lentement mais sûrement leur affrontement, qui ne saurait tarder.
Dans l'intervalle, l'émission de Marcus et Joseph prend de l'ampleur et Richard, un producteur, rejoint leur équipe. Pour lui faire bon accueil, Joseph et Leslie ont décidé d'inviter Marcus et Angela, ainsi que Richard et sa petite amie, à dîner chez eux. Ils ignorent que Richard... sort avec Keisha.
Forcément, Angela et Keisha finissent par se foutre sur la gueule. Et je ne dis pas qu'elle vont simplement s'invectiver, mais qu'elles vont bel et bien en venir aux mains. De ce pugilat, contre toute attente, naitra une sorte de trève entre l'ex-femme et la femme actuelle de Marcus.

A l'issue du pilote, tout cela semble bien risible et disproportionné, et peut-être vous en rendez-vous compte à la lecture de ce résumé qui n'a rien de sexy. C'est d'ailleurs la raison pour laquelle je n'avais pas continué : le "drama" prend des proportions épiques, qui font finalement plus rire que les gags de l'épisode.

Lorsque j'ai donc repris la saison hier, je n'attendais pas grand'chose des épisodes suivants. Mais j'ai été très surprise par plusieurs ingrédients :
- d'abord, le fait que For Better or Worse est totalement feuilletonnant ; je n'ai jamais vu aucun sitcom traiter ses intrigues de cette façon, et les séries dramatiques le font de moins en moins. Ici on est presque dans une vision soapesque des intrigues, au sens où ce qui commence dans le pilote ne trouve pas de (semi) conclusion avant le season finale,
- ensuite, le fait que, bien que tourné comme un sitcom (à l'exception d'une seule scène hors-studio), formaté comme un sitcom, et résolument ponctué de séquences drôles (il y a même un personnage dont la seule occupation est d'être le comic relief), For Better or Worse emprunte des axes très, très sombres. L'absence de rires enregistrés, on le réalise en avançant dans l'intrigue, n'est pas tant voulue pour changer la donne, mais pour s'autoriser une plus grande marge de manoeuvre au niveau du ton,
- et pour finir, le fait que plusieurs personnages et intrigues vont basculer au second plan, voire carrément disparaitre, accompagnant le changement de ton par un changement visible des orientations narratives de la saison.

Dix épisodes plus tard, grâce à toutes ces surprises, For Better or Worse est certainement l'une des radiographies de la vie d'un couple en crise les plus osées que j'aie jamais vues.
Et par la même occasion, la série sort complètement de toute grille de classification existante. Sitcom ? Soap ? Série dramatique ? Difficile à déterminer, cela change d'une scène à l'autre.
Ce que la bande-annonce nous vend n'a du coup plus aucune espèce de réalité. Après deux ou trois épisodes, c'est même totalement mensonger.

La série se recentre donc totalement sur le couple Marcus et Angela, sans donner l'impression de faire un virage à 180°C.
En fait, les premiers épisodes, qui s'appuisent sur l'hostilité entre Angela et Keisha, permettent au contraire, non sans une certaine dose de subtilité, de nous dévoiler des informations absolument essentielles.
Vous me connaissez, je ne dis pas ça souvent, mais si vous dépassez le 4e épisode, vous avez l'opportunité d'entrer dans un univers radicalement différent.

Ces informations essentielles contenant les clés de la compréhension des évènements, je vais vous les livrer puisqu'elles ne nuisent absolument pas aux surprises de l'intrigue. Le paragraphe qui suit est donc dénué de spoiler, allez sans crainte.

Ainsi, si Angela et Marcus sont mariés depuis 13 ans, leur mariage a connu bien des soucis. Déjà, Marcus était séparé de Keisha depuis seulement six mois lorsqu'il a épousé Angela ; de fait, Keisha était tombée enceinte et c'est ce qui explique que les deux enfants de Marcus ont quasiment le même âge. Cela a causé un premier clash dans le couple encore jeune de Marcus et Angela, mais ils se sont mariés et tout s'en est trouvé, tant bien que mal, résolu.
Mais au bout de dix ans de mariage environ, Marcus a trompé sa nouvelle épouse. Après encore une fois bien des turbulences, et une thérapie qui les a conduits à confier absolument tous leurs secrets l'un à l'autre, ils ont renouvelé leurs voeux voilà 3 ans.

Le couple porte pourtant, malgré les apparences heureuses, cette histoire comme une véritable blessure, n'attendant que d'être rouverte. Le tempérament de Keisha n'arrange rien, et les premiers épisodes de la saison soulignent à quel point le climat entre Marcus et Angela, loin de prouver que désormais ils ont tout mis derrière eux, dépend uniquement de la confiance qu'ils ont décidé d'investir l'un dans l'autre, sans la ressentir totalement. Si Angela est prête à sauter à la gorge de Keisha, c'est parce qu'elle n'est pas tout-à-fait certaine d'avoir raison de croire en Marcus.
Cette phase d'introduction étant passée, la saison s'oriente donc vers sa véritable intrigue, quand Marcus reçoit une lettre lui réclamant une pension pour un enfant dont il dit ignorer l'existence.

C'est là que les choses explosent. D'autant qu'Angela est une vraie excessive, et que les choses vont très, très loin. On dépasse le stade des engueulades, et de loin. Je ne veux pas trop vous en dire (c'est vraiment là que la série fait tout son effet), mais For Better or Worse écrase avec une violence non feinte toute idée préconçue qu'on pourrait avoir sur l'inoffensivité des sitcoms (a fortiori "blacks").

Alors bien-sûr, il faut dépasser le jeu de certains acteurs, encore plus excessifs que ne le sont les personnages. Il faut se retenir de lever les yeux au ciel devant le milieu ultra-friqué dans lequel la série se déroule (on parle d'argent, dans For Better or Worse, et on parle de GROSSES sommes). Il faut subir des gags pas forcément drôles mais tellement, tellement nécessaires au regard de tout ce qui se passe par ailleurs. Même si vous avez déjà vu des sitcoms "blacks", il faut vous attendre à un choc culturel peut-être aussi fort que si vous regardiez une série non-américaine.

Et au final on se retrouve avec une série incroyablement incisive qui emmène ses deux personnages principaux dans une escalade dont on se demande comment elle pourrait bien finir.

Le plus intéressant et, à la fois, le plus triste, je crois, pour For Better or Worse, c'est qu'au lieu de bénéficier de la traditionnelle commande des séries de Tyler Perry (qui après une saison initiale de 10 épisodes voient leur commande augmenter pour atteindre facilement la centaine), la série reviendra en juillet sur TBS pour une deuxième saison de "seulement" 35 épisodes. Je crois que ça en dit long sur l'inconfort que peut générer ce sitcom pas du tout comme les autres.
Et quelque part, j'ai l'impression que c'est aussi un argument qui joue en sa faveur.

En tous cas c'est une expérience intéressante, et en un peu plus de 3h20, cela remet totalement en question pas mal de certitudes, tant sur le format, en tant que téléphage, que sur la question abordée, au fond, par la série et son intrigue.
Comme je le disais, c'est l'été, il n'y a pas beaucoup de sitcoms, c'est un peu le moment ou jamais de tenter For Better or Worse...

Il y a une douzaine d'années, j'étais encore une téléphage raciste, et ne jurais que par la télévision américaine. Je ne voulais entendre parler de rien d'autre, et je n'avais que mépris pour les séries venant des autres pays de la planète. Mais alors que Canal+ a commencé à diffuser des séries de science-fiction comme Starhunter et Invasion Planète Terre, j'ai commencé à considérer que le Canada avait un domaine d'expertise : la science-fiction. A cette époque marquant le tournant entre la fin des années 90 et le début des années 2000, c'était en effet dans la SF et le fantastique que l'on voyait le plus souvent apparaitre, tout au bout du générique de fin, un logo avec la fameuse feuille d'érable.
Depuis lors, je suis bien obligée de reconnaître que je n'ai pas toujours été tendre avec les séries de genre canadiennes, à l'instar de Lost Girl dont je ne vous ai jamais caché qu'elle m'insupportait. Mais j'ai quand même gardé cette sorte de foi dans la fiction canadienne à ce sujet. Sans compter que tant d'auteurs et d'acteurs canadiens travaillé sur des séries US de science-fiction ou fantastiques (qui elles-mêmes ont souvent choisi le territoire canadien comme attache géographique), que cela semble presque naturel de retrouver certains visages et de leur accorder ma confiance.

Inutile de vous dire que quand le pilote de Continuum a commencé sur le visage de Tony Amendola, on était déjà quasiment en terrain conquis. Et pourtant ce premier épisode a tellement plus à offrir qu'une foule de noms et de visages connus des amateurs de science-fiction (Amendola, Davis, Webster, Knudsen, Doig... j'ai aussi brièvement cru reconnaître Janet Kidder), tant son univers se pose immédiatement comme incroyablement cohérent, et palpitant.
Dans un genre qu'ils semblent avoir fait leur, les Canadiens ont trouvé le moyen de doser dans cet épisode inaugural l'action (un ingrédient fondamental de leur petite recette secrète) et la réflexion avec un bon sens de l'équilibre.

Parmi les éléments qui m'ont le plus enthousiasmée, le monde de Kiera en 2077, qui occupe un bon tiers de l'épisode de l'épisode, est captivant. J'étais d'ailleurs soulagée, à la fin du pilote, d'assister à un "flashback" s'y déroulant : c'est la promesse que cet univers ne sera pas tout-à-fait abandonné (ce qui était mon plus gros regret à propos de Terra Nova, en-dehors bien-sûr du fait que je regardais Terra Nova) et sera exploité, vraisemblablement à des fins mythologiques.

Mais ce qui est certainement la plus grande réussite de Continuum, c'est d'avoir imposé, en dépit d'un épisode rythmé, rempli d'action et de choses à mémoriser pour pénétrer son univers dense, un personnage féminin central complexe, et suffisamment émouvant. Loin de n'être qu'un prétexte à l'intrigue, comme certaines séries ont un peu tendance à le faire, Kiera est immédiatement un personnage dont le background et les sentiments jouent une grande part dans l'émotion de l'épisode. En dépit de son grand sens de la Justice et du devoir, elle n'est pas froide et n'a rien d'une machine (c'est important pour le personnage principal d'une série qui n'aurait pas existé sans la franchise Terminator...), ses sentiments vis-à-vis notamment de son fils ne paraissent pas plaqués, et il se dégage quelque chose de très, très bouleversant de sa première conversation avec Alec, lorsqu'elle découvre où elle est tombée et quelles sont ses chances de se tirer de là vite fait.

Alec est d'ailleurs un poème à lui seul. Outre sa charmante petite cachette dans la grange, il est prometteur à bien des égards, notemment un que la fin du pilote se charge de nous dévoiler avec beaucoup d'intelligence (nous poussant d'ailleurs à pousser un "ah" de soulagement, puisqu'en voyant cette scène on en comprend mieux une autre). J'ai également apprécié qu'il semble, a priori, géographiquement très éloigné, ce qui nous garantit une relation purement virtuelle pendant un bon moment entre ce deux-là. De surcroît, au lieu d'être l'habituel geek qui a raté sa vie, Alec a tout l'air de vivre dans une famille plutôt saine et qui l'encourage, et à ce titre on peut dire que c'est une véritable première dans la façon de faire le portrait d'un geek de télévision.

Les possibilités technologiques offertes par les attributions de Kiera (la combinaison, contrairement aux apparences, n'en étant pas la plus précieuse ; l'histoire des souvenirs téléchargeables me semble bien plus intéressante, notamment parce qu'il y a une scène qui mérite quelques explications dans ce que regarde Alec dans cet épisode) ouvrent la voie, également, à des axes intéressants, non seulement dans la façon de résoudre les "affaires policières", mais aussi pour explorer le personnage et son background.

Pour le moment, la seule chose qui semble un peu brouillonne tient dans les motivations de Liber8. De ce côté-là, j'avoue que c'est internet qui a permis d'améliorer ma compréhension des tenants et des aboutissants de cette partie de l'intrigue, tant leur portrait m'a semblé un peu caricatural. Evidemment, lorsque les deux tours se sont effondrées au tout début du pilote, il semblait clair que l'analogie terroriste allait entrainer, certainement, quelques dommages collatéraux. Mais peut-être qu'il nous manque un personnage faisant partie (ou infiltré) dans cette organisation pour mieux lui donner du relief. Avec un peu de bol, on reverra peut-être Tony Amendola.
L'avantage c'est que même si, dans le pire des cas, on a droit à un épisode centré sur chaque criminel, la saison comptant 10 épisodes et les criminels n'étant qu'au nombre de 7, cela nous laisse de l'espoir pour éviter une trop forte proceduralisation. On devrait donc pouvoir affiner la question.

Cependant, ce qui est le plus important pour une série de science-fiction, c'est probablement... tout le reste. Ce que la série a à dire ; de la même façon que Caprica voulait parler d'éthique ou que Falling Skies a refusé de parler de la condition humaine. Et de ce côté-là, j'avoue qu'il y a pas mal d'espoir, plus en tous cas que je n'aurais pu l'imaginer avant de lancer le pilote. La question du rachat des gouvernements par de grandes corporations, qui est à l'origine de l'univers dans lequel vit Kiera, part notamment d'un constat à la fois social, politique et économique intéressant par les temps qui courent.

Si cela est développé, Continuum a des chances de devenir plus qu'une bonne série de SF : une GRANDE série de SF.
Et nous savons tous combien ces choses-là sont devenues rares de nos jours.

Quand je n'ai rien de mieux à faire, je teste des pilotes de séries Disney. Parce que je n'ai pas encore totalement perdu espoir, peut-être. Plus vraisemblablement parce que je ne vois pas pourquoi, simplement parce que la série est destinée à une autre tranche d'âge que la mienne, je devrais snober une fiction.
Bon en vrai c'est parce que j'ai une consommation d'une demi-douzaine de pilotes par semaine en moyenne et qu'à un moment on tombe nécessairement sur des séries Disney. Sue me.

C'est comme ça que je me suis retrouvée devant le premier épisode de Lab Rats, et euh... bah... Zut alors, ils chantent pas, ya un problème dans mon fichier, ou...?

Eh non, ya pas d'erreur.
C'est pour ça que, toute proportions gardées, Lab Rats, après des années de Hannah Montana, JONAS, Sonny with a Chance, et j'en passe, avec en prime les variations pour les marchés locaux genre Patito Feo, et sans compter les séries de la concurrence genre Victorious ou Ruby and the Rockits ...ça soulage. A l'instar de Jessie, qui avait vraisemblablement montré la voie (mais pas la voix), aucun des héros de Lab Rats ne pousse la chansonnette, et ça, c'est le BIEN.

Mais mieux encore que Jessie, qui une fois de plus présente une héroïne sortie de l'usine Disney, Lab Rats propose quelque chose d'un peu original, si bien qu'on se demande presque si ça vient de Disney ; on n'était plus habitués.

Ce qui entretien l'effet de désorientation, c'est que le pilote s'ouvre sur une scène... avec deux adultes. Comprenez-moi bien : traditionnellement, dans les pilotes de séries Disney, pour bien vendre l'héroïne, on se dépêchait de la montrer, jolie, pimpante, tout bien quoi, histoire que les petites filles ne se trompent pas et enregistrent bien quel est le nom qu'elles scanderont pendant les années à venir, notamment au rayon jouets/CD/whatever. Ici pas du tout : les Davenport viennent de se marier et roucoulent à l'écran pendant 10 interminables secondes. Ca parait court, comme ça ; mais 10 secondes lorsqu'on regarde un pilote pour la première fois, ça peut paraitre siginificatif.
Quand Leo, le fils de la nouvelle Madame Davenport issu vraisemblablement d'un premier mariage, fait son entrée, il n'a même pas l'air d'être le héros, en dépit de quelques blagues (certaines bonnes) ; il faut dire que la série se dépêche de dresser également le contexte de Lab Rats. En moins d'une minute, le pilote va donc expliquer quelle est la profession de Monsieur Davenport, pourquoi il est riche, et surtout, pourquoi la maison regorge de high tech ; ça aura une importance pour la suite. En effet, le nouveau beau-père de Leo est un inventeur de génie qui se spécialise non pas dans les jouets, comme dans Ricky ou la Belle Vie, mais dans la technologie de pointe. Les effets spéciaux, la domotique poussée (il y a un personnage entièrement virtuel légèrement inutile... dont la voix est celle de Will Forte, oh hi !), tout ça semble un peu être une démonstration superflue et superficielle, mais cela joue malgré tout un rôle vital pour installer très vite l'intrigue. Eh oui on peut dire ce qu'on veut de l'usine à séries Disney, mais les mecs savent y faire un produit efficace, ça c'est clair.

Ce n'est qu'une fois que la série nous introduit les trois autres personnages adolescents que le pilote de Lab Rats commence réellement, au bout de 5mn ; c'est la preuve qu'on a ici affaire à un véritable ensemble show, et pas une série où les autres personnages servent de faire-valoir à une star en préfabriqué. Le génial Davenport compte en effet parmi ses multiples projets scientifiques délirants... des adolescents avec des super-pouvoirs. Il n'a simplement pas l'air d'ailleurs de réaliser que ce sont des adolescents avant d'être des projets scientifiques, et c'est justement ce que le pilote va se charger d'exploiter à partir de là.

Leo se lie donc d'amitié avec Adam, Bree et Chase, les trois rats de laboratoire de Davenport, que ce dernier garde enfermés dans sa cave (c'est moins glauque que ça n'en a l'air dit comme ça, promis), et va finir par les emmener au lycée, qui a l'air d'être toujours le même lycée dans tous les séries Disney depuis au moins Phénomène Raven.
Evidemment cela cause des problèmes... et pas simplement parce que le lycée est mis sens dessus dessous, mais bien parce qu'à ce moment, l'épisode tourne à la farce. Ce n'était pas forcément le passage le plus intéressant de l'épisode, mais force est de constater qu'il ne représente pas la majorité de l'épisode. Peut-être que les suivants, avec un peu de bol, ne considèreront pas qu'il s'agit du milieu dans lequel les personnages sont forcés d'évoluer ; je n'irai pas vérifier, mais en tous cas à ce stade, ça parait possible.
En tous cas, on a ici un univers qui propose bien plus que des chansons ou le thème du don que personne ne doit découvrir, et là encore c'est vraiment un angle plutôt frais.

Et puis, très franchement, il y a des passages que j'ai trouvés drôles.
Les dialogues comportent d'ailleurs des gags auquels je ne m'attendais pas tellement, peut-être par excès de scepticisme, peut-être pas : un léger tâcle aux comédies musicales adolescentes genre High School Musical, une blague à base de masturbation (si-si), et pas mal de sorties assez bien vue de la part de notre inventeur fou, qui peut nous sortir des petites répliques bien sympas telles que : "ça ? Nooon, ce ne sont pas des machines à remonter le temps... elles sont en réparation". Il faut dire que Hal Sparks (dont on a du mal à ne pas trouver décalé qu'il ait joué dans Queer As Folk) est très en forme pendant ce pilote, et donne énormément d'énergie à ce savant fou.
Qui plus est, même s'il n'y a parmi ces 4 ados aucun acteur qui mérite un Emmy (bien que l'interprète de Leo se défende plutôt bien), leur dynamique marche parfaitement, et permet aux scènes de conserver leur rythme et leur légèreté (que seuls les habituels rires enregistrés viennent alourdir). Comme Adam, Bree et Chase sont supposés être frères et soeur, les querelles sont par exemple plutôt bien rendues, sans compter que leur nombre permet des petits effets pour certaines répliques, comme celle-ci, qui n'est pas originale, mais qui fonctionne très bien :

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Alors évidemment, Lab Rats n'est pas la meilleure série de tous les temps, mais elle remplit son office, et elle le remplit bien. Au lieu de farcir la tête des préados avec des histoires de célébrité, de musique et de machin, on a ici une petite comédie un peu SF qui n'a pas moins de mérite, en définitive, qu'une série comme Les Incroyables pouvoirs d'Alex, mettons. Avec un peu de bol, Lab Rats pourrait même être moins répétitive ; il ya du potentiel pour des trucs très sympas, en fait, notamment en développant la mythologie ou, dans l'éventualité où Disney aurait un peu d'ambition, des histoires de missions avec nos trois rats de laboratoire (et pourquoi pas, avec Leo dans le rôle de leur boss ; sérieux, Disney, ya du matos pour des films, là).
Mais même sans ça, et en dépit des travers de son "genre" disneyien, il semblerait que Lab Rats tienne quelque chose.

En tous cas ça m'a fait plaisir de voir une série Disney qui ne me donne pas envie de me jeter par la fenêtre, et que je n'aurais pas envie de déconseiller à des parents de préado. C'est peut-être d'ailleurs ce qui explique que la série ait été renouvelée pour une nouvelle saison un peu plus tôt ce mois-ci. Evidemment, je n'ai vu que le pilote, mais j'ai l'impression que ce n'est pas immérité...

Dans vos rêves les plus fous, vous imaginez parfois que Gilmore Girls n'est pas finie. Ou que peut-être on lui a donné un spin-off, ou un prequel. Et que le petit monde de Stars Hollow continue d'exister quelque part où l'on guette les premiers flocons de neige.
Accrochez-vous : ce rêve est réalité. Il s'appelle Bunheads.

Bunheads a décidé de vous ramener exactement à l'endroit où vous vous trouviez en reardant le pilote de Gilmore Girls. C'est comme redécouvrir cette série-là et à la fois, y faire la connaissance d'un univers différent. En général, on a envie de faire preuve de sarcasme quand une série en rappelle autant une autre qui a connu un fort succès, notamment auprès des téléphages de bon goût. Mais impossible de faire preuve d'animosité, ne serait-ce qu'une seconde, envers Bunheads.

D'entrée de jeu, avec son intro hilarante, son personnage féminin à la fois si décontracté et pourtant si mal assuré, et ses dialogues géniaux (ce sera une constante), Bunheads marque des points. Mais contrairement à beaucoup de pilotes qui misent beaucoup sur leur première scène et ensuite laissent la pression retomber, l'épisode inaugural de Bunheads ne va pas vous lâcher, et à un rythme délirant, va vous embarquer d'abord dans le monde de la danseuse Michelle (une Lorelai Gilmore qui n'a même pas réussi à avoir une jolie petite fille pour sortir sa vie de la médiocrité), puis dans l'univers insensé et pourtant familier de Paradise, une charmante petite ville où tout le monde se connait...
La plus grande force de cet épisode, c'est qu'il présente à chaque stade de son évolution des personnages immédiatement attachants, intelligents, et jamais caricaturaux. C'est ce qui fait toute la force de cette série, son ton, son traitement, le souhait de vraiment ne pas offrir une série banale et sans saveur, comme aurait pu le laisser craindre son pitch.

Michelle va ainsi épouser un homme qu'elle n'aime pas, le suivre dans la petite bourgade de Paradise, sur un coup de tête alcoolisé (et sans que personne ne songe une seule fois à en faire une intrigue sirupeuse), et y découvrir sa belle-mère, Fanny (qui en toute sincérité pourrait aussi bien être Miss Patty, mais à laquelle Emily Gilmore aurait prêté ses traits), une prof de danse aux allures sévères mais qui va, sans attendre la fin du pilote, lui donner une chance de se faire sa place dans la famille, parce qu'on n'est pas ici pour jouer la belle-doche de conte de fées stéréotypée.
Ajoutez à cela quatre jeunes recrues de l'école de danse qui prennent un goût différent à leur art grâce à l'arrivée de Michelle, et vous avez un épisode d'une fraîcheur inouïe, enlevé, drôle et définitivement parfait pour égayer votre été... sans avoir un seul instant l'impression de brader la qualité parce que c'est de saison.

Avec Bunheads, le thème de la danse, qui pourrait paraître tellement gnan-gnan ou destiné uniquement aux préadolescentes rêvant de tutus et accrochant des posters de chevaux dans leur chambre, devient l'occasion de se lancer dans des séquences pleines de vie et de bonne humeur. Pas de leçon, mais de vrais moments feelgood, au meilleur sens du terme. J'avais peur de me désintéresser du thème, de lever au moins une fois les yeux au ciel, ou au moins de les détourner pour me faire les ongles quand les gamines occuperaient l'écran, bref de vivre au moins une fois pendant cet épisode l'expérience qu'a été pour moi le pilote de Make it or Break it... mais pas du tout.
A ma grande surprise, cela apporte une dimension nouvelle aux éléments que nous connaissons bien, et permet à Bunheads d'avoir sa propre personnalité, tout en étant marquée par les mêmes qualités que Gilmore Girls.

Du coup je n'ai aucun doute sur le fait que cette série ne peut pas me déplaire en cours de route. Je suis partante pour une saison complète, sans aucune hésitation, les yeux fermés. Je n'attendais pas spécialement Bunheads, elle est devenue en très exactement 45mn la plus sympathique promesse de l'été. D'ailleurs je crois que ça doit s'entendre au ton de ce post !
Et par la même occasion, c'est la première fois depuis l'annulation de Huge que je trouve que ça vaut le coup de regarder ce qui se fait sur ABC Family. C'est forcément une erreur, ils pensaient acheter une autre série, non ? Mais qu'est-ce qui leur est arrivé ?!

"Le massacre de Milperra s'est déroulé dans une banlieue paisible de Sydney, le jour de la fête des pères, le 2 septembre 1984. Sept personnes ont trouvé la mort et bien plus ont été sérieusement blessées."
(Intro, Bikie Wars - 1x01 : Pilote)

Le pilote de Bikie Wars s'ouvre sur une présentation sobre et monocorde de l'enjeu de la série... et cet enjeu ne se produira pas sous nos yeux, du moins peut-on l'imaginer, avant le 6e et dernier épisode. On est venus là pour la baston, le sang, l'adrénaline, on est chaud-bouillants... et il faut remettre tout ça à dans 6 semaines. Imaginez la frustration.
C'est tout le défi que doit relever Bikie Wars, que vous avez élu cette semaine comme pilote australien le plus attirant : faire monter progressivement l'ambiance pour en arriver au massacre en question.

Ces 47 premières minutes de la série seront donc consacrées à un jeu d'équilibriste. Il s'agit de nous donner envie de nous intéresser aux enjeux sans nous offrir ce bouquet de violence qu'en spectateurs un peu voyeuristes historiens captivés nous voulons pouvoir observer. Ces enjeux résident, comme la tagline de la série l'indique ("Brothers in Arms"), dans le questionnement sur la loyauté et la camaraderie au sein de l'univers des bikers. C'est parfait pour un épisode d'exposition, d'ailleurs (et il sera toujours temps de se préoccuper du reste ensuite), donc pour le moment l'équilibre est trouvé.
La fin de l'épisode lâchera d'ailleurs un peu de cette violence que nous sommes venus chercher, histoire de nous donner un aperçu bref mais intense du fameux massacre pour lequel nous avons signé.

Le reste de l'épisode est essentiellement consacré à une introduction à un club de bikers en particulier, les Comancheros, qui sont en pleine phase de recrutement, un peu comme une armée fait le plein de chair à canon avant de partir au front, et qui en particulier recrute Anthony Spencer, dit Snoddy, un ancien militaire un peu perdu que le groupe a littéralement ramassé sur le bord de la route. Si on intronisation se fait plutôt en douceur, vu que le chef des Comancheros l'a rapidement pris en affection, cela ne signifie pas que cette arrivée se fait sans remous, Snoddy ne faisant pas l'unanimité au sein du clan. Et surtout, Snoddy semble rapidement s'autoriser une petite vie privée bien à lui au lieu de faire complètement corps avec son club, ce qui le distance un peu des Comancheros. Les pions sont donc placés pour que la partie commence, et que la place de Snoddy au sein de son bikie club serve l'évolution de l'histoire pour en arriver à ce qu'on imagine être le feu d'artifices final.

Deux ingrédients surtout permettent à Bikie Wars de nous faire patienter sans trépigner.

Et le premier, non des moindres, est Callan Mulvey. Comme personnellement je n'ai jamais réussi à m'asseoir pendant l'intégralité d'un épisode d'Underbelly (tous opus confondus), et que je confesse avoir à moitié pioncé devant le pilote de Rush, eh bien Bikie Wars était l'occasion de retrouvailles avec l'acteur de Hartley, coeurs à vif, et je dois dire que, avec presque seize années de retard, je viens de comprendre ce que mes copines lui trouvaient ! Héros incontestable de ce premier épisode (et vraisemblablement des suivants), il incarne à la perfection le héros typique de ce genre de fictions : le regard sombre, le mot rare, un côté force brute et un petit coeur d'angelot blessé. C'est la définition d'un héros attachant, non ? On le croirait tout droit sorti d'un manuel pour scénaristes. D'accord, ça manque d'originalité, mais le fait que ce soit Mulvey, lui-même gros accidenté de la route de la vie, qui lui donne corps, permet au personnage de Snoddy de prendre immédiatement beaucoup de consistence. Alors du coup on ne proteste pas, on dévore la bête du regard ; c'est très animal tout ça ne nous le cachons pas. De toute façon, depuis le départ, on savait qu'on ne regardait pas Bikie Wars pour jouer les intellectuels !

Le second, qui n'a pas moins de mérite même si ses manifestations sont plus inégales, c'est l'ambiance. Musicalement déjà, le martelage de rock est constant et nous plonge dans le bain de cette communauté mi-bikers, mi-hippie. La première journée que passe Snoddy avec les Comancheros est à ce titre très révélatrice de l'univers de ces clubs. Je crois que c'est en voyant cette scène que j'ai, paradoxalement, mis le doigt sur l'ambiance qui était diffusement distillée dans les pages de Puberty Blues, probablement parce qu'on parle de la même époque, du même pays, et de la même volonté de vivre en-dehors de la société. C'est justement ce qu'on attend d'une série comme Bikie Wars, le sentiment de liberté qui s'apparente au mouvement est très bien décrit. Les bikers sont des brutes, certes, mais des brutes avec des idéaux. On pense ce qu'on veut de leur mode de vie mais je l'ai trouvé bien mieux retranscrit que dans Sons of Anarchy, qui de par son thème est difficile à ne pas évoquer, mais qui n'a aucun point comment avec Bikie Wars : SAMCRO est un club en réalité sédentaire et baignant dans le trafic, bref, un club de bikers moderne auquel il ne reste que les motos et les tatouages, et dont le mode de vie a perdu toute spécificité. Ce n'est pas un reproche : c'est une évolution plutôt naturelle des mouvements bikers ; outre quelques litres de flotte, ce sont après tout 30 années qui séparent le contexte des deux séries.
Mais en tous cas Bikie Wars transmet bien tout ça, non seulement avec les scènes de groupe, qui dépeignent tous les degrés de la camaraderie en cas de fête comme en cas de baston, mais aussi les séquences plus solitaires, notamment quand Snoddy prend sa moto seul ou avec sa conquête Lee, et profite simplement du voyage. Je ne suis pas fan des deux-roues à la base, mais je dois dire que j'ai trouvé les oscillations de sa bécane sacrément reposantes ; ces moments-là étaient bienvenus, en dépit de tout ce qu'on attend de la série, pour entrer dans la philosophie bikers, où il ne s'agit pas de rouler vite, mais de prendre du plaisir sur la route.

Et après tout, n'est-ce pas essentiel pour comprendre la façon dont les choses vont tourner par la suite ?
Car oui, on est venus à Bikie Wars pour voir des motards se foutre sur la gueule à coups de battes et de chaînes, mais derrière toute cette brutalité, c'est l'esprit d'un mouvement que la série veut rendre de façon aussi fidèle que possible. Pour le moment, le pari est réussi, mais évidemment, Bikie Wars a droit à un laisser-passer parce qu'il s'agit d'un pilote. Les épisodes suivants parviendront-ils à éviter le remplissage en attendant le massacre lui-même ? Il n'y a qu'une seule façon de le savoir.

L'un de mes pilotes favoris à la rentrée était Suburgatory. Sans mentir, j'ai dû le voir une bonne douzaine de fois depuis sa diffusion initiale. C'était en partie parce qu'étant donné les circonstances (j'étais en plein déménagement), je n'avais pas autant de choix qu'à l'ordinaire, et en grande partie, parce que ce pilote était vraiment bon. Hilarant. Formidable. Limite irréprochable.

Avec ses couleurs pétillantes, son excellent sens du rythme, ses personnages barrés, le pilote de Suburgatory semblait tout droit issu d'un manuel répertoriant les impératifs d'une comédie en single camera qui tenterait de me plaire. Alors la série s'est, forcément, rapidement arrogée le statut de "nouvelle comédie préférée de la rentrée" dans mon planning. Comment faire autrement ? Tout y était génial.

Un avis qui n'avait, cependant, pas semblé être unanime. Suburgatory manquait de mordant pour beaucoup ; apparemment, quand on parle de banlieues pavillonnaires américaines, il faut systématiquement les passer au vitriol. Personnellement je trouvais beaucoup plus attirant ce parti pris de choisir l'absurde plutôt que la satire ; l'approche me semblait moins aggressive et bien plus porteuse de rire.

Aussi, après le pilote, mon coup de coeur ne s'était-il pas laissé perturber par les critiques. Pourtant les critiques ont commencé à changer de bord. Je commençais à lire des choses négatives même parmi ceux qui avaient aimé la série à son apparition.
Des choses que, par un procédé que je ne m'explique pas vraiment, j'ai décidé d'ignorer. Mais vraiment. Pas juste en me disant que je n'allais pas les prendre au sérieux, ou ne plus lire ces reviews ou tweets, mais en décrétant inconsciemment de ne même pas essayer de me rappeler que les critiques existaient, ou avaient existé... ou avaient une raison d'exister. J'ai poursuivi la saison en riant en moins mais en refusant obstinément de l'admettre. C'était juste un moins bon épisode que la dernière fois.
Chaque semaine.

Il aura fallu attendre l'arrivée du personnage d'Eden pour que je regarde les choses en face, et me fasse un aveu : je ne prenais plus vraiment de plaisir à regarder Suburgatory. Ce n'est pas que j'ai commencé à me dire à ce moment-là que la qualité de la série baissait ; c'est que je n'ai bien voulu penser à voix haute qu'à ce moment-là : "eh bah, c'est vraiment devenu fade".

Qu'était-il arrivé à Suburgatory ? Difficile à dire. Quelque part pendant la saison (peut-être alors que sa commande initiale touchait à sa fin, peut-être juste après ?), la série a cessé de parler de la banlieue, de ses étranges travers, de ses coutumes absurdes, de ses habitants aux lubies démesurées, pour ne finalement que virer au soap vaguement vaguement comique. Par on ne sait quel miracle, la série qui avait vu le jour essentiellement parce qu'elle prenait le contrepied de ce qu'était devenu Desperate Housewives était devenu une copie en 20mn de cette série. Le contexte adolescent en plus.

Les pistes qui me plaisaient le plus avaient progressivement été mises de côté, et abandonnées.
George et Dallas se tournaient bêtement autour quand ils avaient été proches si vite dans le pilote ; il a fallu inventer des petites amies à George, un divorce à Dallas, et même une dispute, pour éviter que les choses n'avancent entre eux. Les personnages les plus excentriques ont soit mis de l'eau dans leur vin (Noah, par exemple, noyé dans ses problèmes de couple, mais aussi Mr Wolfe et même Dallas elle-même), soit carrément disparu (à l'instar de la serveuse Jocelyn, que je n'appréciais pas mais qui participait énormément à la loufoquerie de la série). Ceux qui sont restés fidèles à eux-mêmes ont été sous-employés, à l'instar de Sheila Shay. Pire encore, finalement, le tandem Lisa/Tessa n'a jamais fonctionné, et n'a d'ailleurs pas été entretenu, les contacts entre les deux adolescentes étant cantonnés au strict minimum humoristique.
Mais la plus haute des trahisons venait du regard sur la banlieue cossue de Chatswin. L'endroit n'était plus absurde. Il était devenu le milieu naturel de la série.

Il y avait encore quelques morceaux sympathiques (ceux auxquels je me suis raccrochée pour nier l'évidence), souvent situés dans les cold open des épisodes, mais la magie était partie. J'avais ri aux éclats devant le pilote (et à vrai dire, j'ai revu ce dernier peu après le season finale, et ses effets sont toujours là), mais progressivement la série avait cessé même de me faire sourire. C'était léger, inconséquent, sympathique... mais plus drôle.

Quand j'ai accepté le fait que cela faisait plusieurs épisodes que Suburgatory ne me ravissait plus, et même, ne me plaisait plus, alors quelque chose s'est un peu cassé, je l'admets.

Je ne sais pas trop pourquoi j'ai tant tenu à rester fidèle à Suburgatory toutes ces semaines, mais j'ai l'impression que j'ai passé la saison à refuser de lâcher prise. Et là, je crois que... ça y est... je peux desserrer les doigts.
Adieu Chatswin.

Et le pire, c'est qu'elle va me manquer, cette série.

Quand on aborde le pilote d'une fiction issue d'une filiale non-américaine de HBO, la tentation est grande de se demander si la série répond aux standards de la chaîne étasunienne. C'est humain : HBO s'est fait un nom grâce à l'exigence d'un grand nombre de ses drames, réputés internationalement, et il n'est que juste retour des choses que les chaînes de la famille HBO, que ce soit en Amérique du Sud ou en Europe centrale, rendent justice à cette réputation.
Preamar n'a pas vraiment le feeling d'une série HBO, si une telle chose existe. En fait pendant tout le pilote, je n'ai cessé de penser plutôt à Magic City, notamment de par l'omniprésence du littoral.
Faut admettre qu'il y a pire lien de parenté quand même.

La vraie différence dans l'identité de ces deux pilotes, c'est évidemment l'époque : Preamar se déroule dans le présent, aucun doute possible à ce sujet vu que le pitch repose sur, devinez quoi, la crise. C'est contractuel dans toutes les séries de la planète, maintenant...
João, le héros de la série, était un homme d'affaire à qui tout réussissait, qui brassait des millions et qui du jour au lendemain se fait mettre à la porte comme un malpropre après avoir fait perdre beaucoup d'argent à sa société. Après avoir été le golden boy de la boîte, il devient donc un paria à qui il ne reste plus que son superbe appartement avec vue sur la côte d'Ipanema. Comme bien des personnages de fiction avant lui, il décide de ne pas parler de cette petite déconvenue professionnelle à sa famille, et tente de se sortir de là tout seul.

Il faut dire que sa famille n'est pas vraiment du genre à se prendre la tête sur ce genre de détails. D'une part, son épouse Maria Izabel, est une femme dans la quarantaine très belle, mais pas franchement préoccupée par les affaires de son mari. Sans être une trophy wife superficielle, elle ne s'est en tous cas jamais beaucoup intéressée au monde du travail, préférant être ce que l'on nommera pudiquement une femme de loisir : le moment le plus stressant de sa journée est au petit déjeuner, quand elle doit décider quelles vitamines prendre... Le reste de sa journée est consacré à des cours de peinture et tout un tas d'activités du même acabit qu'on imagine éminemment stressantes.
Le couple a deux enfants qu'assez naturellement on n'a pas trop envie d'accabler de tracas financiers : Manu, une adolescente sage mais qui a toujours eu l'existence facile, et Fred, un jouisseur qui n'a pas l'air de se préoccuper de grand'chose dans la vie, dont je ne suis même pas sûre qu'il ait une occupation autre qu'aller fumer des pêtards sur la plage à longueur de journée (et dont le lit à la maison est perpétuellement vide). On passera d'ailleurs plus de temps avec eux que je ne l'aurais imaginé ; ce qui asseoit leur présence non pas comme des prétextes (comme c'était le cas par exemple pour les enfants du héros dans Lights Out) mais bien comme des éléments de l'histoire qui n'ont aucune idée de ce qui se passe, et vivent dans l'insouciance.
En tous cas, pas étonnant que João fasse le choix de n'encombrer aucun membre de sa famille avec ses problèmes. Et comme il n'a pas d'amis, il est effectivement seul face à ses déboires.

Le pilote de Preamar, en dépit de cette histoire assez ordinaire, parvient pourtant à fournir un très bon épisode d'exposition, notamment en faisant le choix d'une narration non pas chronologique, et donc linéaire, des évènements, mais au contraire en mettant régulièrement en contraste le quotidien de João et sa famille au présent, par rapport à ce que leur vie était avant cette déchéance. Une mise en parallèle entre les deux situations qui est soulignée par l'apparence de João : avant, il portait un beau costume probablement très cher, il était rasé de près et avait l'oeil vif. Maintenant il a les yeux cernés, traine sa misère dans des Tshirts sans forme et porte une barbe négligée.
C'est grâce à ces rappels réguliers du "bon temps" d'avant que le pilote parvient à instaurer son ambiance et son propos avec finesse, d'autant que ce premier épisode est bien décidé à approfondir le sentiment de désespoir de son héros, plutôt que de passer dessus au bout de 10 minutes comme si on en avait fait le tour. On entre vraiment bien dans la tête de ce mec qui est au bout du bout, et qui ne sait pas comment en sortir. C'est nécessaire, car s'il avait trouvé une solution rapidement, on n'aurait pas pu mesurer l'ampleur de son découragement. Il fallait que ça fonctionne dramatiquement pour qu'on s'intéresse vraiment à la façon dont João allait tenter de redresser la barre, et le travail est très bien accompli ici.

Ce qui est intéressant dans l'esthétique de Preamar, c'est d'une part, les intérieurs, sombres mais très classe, où le noir et le bois forment l'essentiel des décors, et d'autre part l'omniprésence des Dois Irmãos, les deux pics à l'ouest de la plage, qui figurent en arrière-plan quasiment chaque fois qu'on est à l'extérieur ou près d'une fenêtre, et qui du coup impliquent énormément de couleurs bleutées. Ca n'a l'air de rien comme ça, mais ces éléments forment un contraste qui pourtant rappelle très pertinemment où l'on se trouve : sur une plage magnifique, mais huppée.
On peut aussi le voir comme une métaphore des deux pôles dans la vie du héros : le luxe à préserver, et le moyen pour le faire.

Et justement, la solution trouvée par João à la fin du pilote ne manque pas de charme, ni d'intérêt. Le principe n'est pas de taper dans quelque chose de démesuré, comme le trafic de drogue, mettons ; la solution prend parfaitement en compte la faune qui peuple la plage d'Ipanema. C'est d'ailleurs de façon assez gracieuse que lui viendra progressivement l'idée, et j'ai apprécié d'assister au cheminement de pensée de João dans les séquences où il a promené son regard sur la plage en recouvrant finalement le sourire.

L'aventure Preamar est donc celle d'une série qui ne fait pas mine de ne pas savoir qu'une foule de séries s'est déjà aventurée dans une histoire similaire : tirant des enseignements des fictions partant déjà du même pitch, la série de HBO Brasil fait son possible pour donner vraiment de la profondeur à son travail, et pour nous surprendre quand il le faut. C'est vraiment agréable de voir qu'on peut faire une série avec une genèse un peu bateau, et réussir tout de même à accomplir un travail qui n'ait rien de la ressucée.
Le seul véritable défaut de ce pilote est dû à la VOSTM : certains passages étant plutôt placés sous le signe des explications un peu techniques, notamment quand João se fait virer, forcément quand on ne parle pas portugais, ça fait un peu longuet. Mais sur le reste, le pilote est irréprochable.

Qu'on se le dise, avec Preamar, la légende HBO continue...

Parmi les chaînes qu'il va falloir commencer à surveiller sérieusement aux Etats-Unis, il y a Cinemax. Jusque là, avec des séries comme Zane's Sex Chronicles (dont j'ai déjà eu l'heur de vous entretenir), on ne peut pas dire que les fictions originales de la chaîne faisaient rêver le téléphage exigeant, et pourtant, avec la saison 2 de Strike Back l'an dernier, la chaîne a commencé à vraiment passer aux choses sérieuses, mettant de nombreux projets en branle, dont la plupart portés sur l'action. Vu qu'Alan Ball va y établir ses quartiers avec la série Banshee, il n'y aura bientôt plus le choix : il va falloir nous habituer à parler de ce qui se passe sur Cinemax.
Ca va nous faire un gros changement parce que jusque là, on ne peut pas dire que les séries de Cinemax avaient été autre chose que du softcore porn. Je me rappelle encore de mon visionnage du pilote de Chemistry, cet été. Jeu des acteurs pitoyable, scénario sans queue ni tête (ou en tout cas trop peu de l'un et certainement pas assez de l'autre), réalisation au rabais... c'était piteux.
A côté de ça, The Girl's Guide to Depravity, dont je vais vous parler aujourd'hui, est plus aboutie.

Toutes proportions gardées, évidemment. Mais en tous cas, vous pouvez oser confesser avoir regardé The Girl's Guide to Depravity en société téléphagique sans craindre la mise au pilori.

Le concept en est assez simple : inspiré d'un blog qui a lui-même donné lieu à un livre (je crois que c'est la loi maintenant, tout blog doit donner suite à une sortie papier, non ?), il s'agit d'expliquer aux jeunes femmes seules et fabuleuses (point d'exclamation) comment profiter de leurs années de célibat sans se prendre la tête, ou en tous cas le moins longtemps possible.

Sur le fond, je ne vais pas, hm, m'étendre : c'est un peu toujours la même chanson. Comment survivre à tous ces méchants garçons qui n'attendent que de nous briser le coeur ? En nous comportant comme des pestes avant même qu'ils n'aient eu le temps de nous approcher émotionnellement (vous vous doutez bien, parce que vous avez vu Samantha dans Sex & the City, que ça ne marche pas toujours pour autant).
Ce côté offensif (qui masque un état d'esprit sur la défensive) n'est pas franchement le modèle qu'on aimerait retrouver dans les séries sur les rapports entres les hommes et les femmes, mais bon, on n'est pas franchement là pour une leçon de "vivre ensemble" après tout. Et puis, la romance, Chemistry s'y est essayée, et sincèrement, par rapport, je préfère l'aggressivité passive de The Girl's Guide to Depravity.
On en revient un peu aux propos sous-entendus dans Single Ladies sur la nécessité de jouer de ses atouts pour parvenir à ses fins, y compris de façon purement vénale, même si les deux héroïnes de ne souhaitent pour l'instant rien d'autre que des boissons gratuites quand elles fréquentent un bar ; quand les nanas de Single Ladies visent non seulement le champagne haut de gamme mais aussi directement les breloques, les tenues de styliste, et même le manoir (eh oui, la série revient à la fin du mois, on va recommencer à en parler régulièrement dans ces colonnes).
En gros on n'aura rien appris sur le style de vie des party girls, ce qui est dommage dans l'absolu, mais soyons sincères, on n'attendait pas franchement de The Girl's Guide to Depravity qu'elle révolutionne le propos.

Si l'histoire de ce premier épisode n'a rien d'extraordinairement original, donc, et si l'on retrouve deux scènes de sexe relativement explicites (en tous cas plus que dans Sex & the City ; port de la comparaison obligatoire) qui permettent de ne pas oublier qu'on est sur Cinemax, The Girl's Guide to Depravity a au moins l'avantage d'avoir un sens du rythme plutôt soutenu. D'ailleurs la scène d'ouverture, qui en cumulant avec le générique nous offre presque 5 minutes d'exposition uniquement musicale, est plutôt réussie. Les dialogues se défendent ensuite plutôt bien, tant qu'on n'attend que de la comédie légère et pas de la répartie d'orfèvrerie.

Le problème essentiel de ce pilote réside principalement dans son choix de casting, en fait : les héroïnes débitent leur texte sans trop y croire, les hommes qu'elles rencontrent ne se passionnent guère plus qu'elles pour les échanges, et on a un peu l'impression que ce qui aurait pu donner du pétillant à notre affaire n'est en fait rien d'autre que de l'Alka-Seltzer ; on a évité le pire, mais c'est pas franchement la fête pour autant. Avec des actrices juste un peu plus motivées, The Girl's Guide to Depravity aurait déjà pu devenir sympathique, à défaut de transcendent (faut ptet pas trop en demander non plus). C'est là que le rendez-vous est véritablement manqué.

Avec tous les projets de Cinemax essentiellement tournés vers l'action et l'adrénaline, The Girl's Guide to Depravity pourrait pourtant faire partie des dernières de son genre sur la chaîne, puisqu'à l'heure actuelle, aucun projet pour la fameuse case sexy "Max After Dark" ne semble en développement pour prendre la relève. Ca donnerait presqu'envie d'aller se mettre devant les 13 épisodes de la série (le dernier sera diffusé vendredi 18 mai) pour assister à l'extinction des séries vaguement coquines de la chaîne. Mais si, vous savez... pour votre culture perso.